10 grandi scene di storia musicale

Dopo il sorprendente successo della mia prima lista (con la quale intendo dire che non è stato immediatamente gettato nella granita virtuale), mi sono sentito ispirato a scriverne un altro. Questa lista si concentra su alcune delle scene più amate nella storia del teatro musicale e copre circa sessantasei anni. Inutile dire che è difficile mescolare sei decenni in 5000 parole strane, ma uno ci prova.

A differenza della mia ultima lista, non tutti i musical di cui queste scene provengono sono di successo o memorabili, ma le scene stesse sono classiche, innovative o mostrano un grande talento. Sono stato abbastanza fiducioso da andare molto più in dettaglio questa volta, anche se ho anche cercato di assicurarmi di non ripetere nulla che era già stato visitato nell'ultima lista. Posso assicurarti che il mio entusiasmo fuorilegge per i musical è sufficiente per riempire due liste. Forse tre. Hmmm.

10

Cantando sotto la pioggia Singin 'in the Rain (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Un classico perenne, Singin 'in the Rain ha prodotto una stella nella diciannovenne Debbie Reynolds, mentre cementava ulteriormente la genialità di Gene Kelly. Ha anche prodotto la sua sequenza di ballo più famosa e popolare di Donald O 'Connor, "Make' Em Laugh", dove ha messo in mostra le sue abilità di danza acrobatica e faticosa. La scena è stata ricreata molte volte da, in spettacoli come Glee (purtroppo) e gli Oscar.

Ma la scena più famosa è senza dubbio la title track, a causa dell'immagine indimenticabile che trasmette di Gene Kelly, l'ombrello in mano, che danza sotto la pioggia. È difficile scegliere quello che diventerà un classico istantaneo, ma sin dal suo inizio questa scena è stata ricreata, onorata, referenziata e falsificata più volte di qualsiasi altra scena del cinema. E 'stato anche remixato di recente in una pubblicità Volkswagen notevole.

Una delle cose più affascinanti di questa scena è quanto sia lucido e rigorosamente coreografato, mentre dietro le quinte era tutto fuorché. Molte persone sono a conoscenza della storia di Gene Kelly che si sta ammalando gravemente durante le riprese di questa scena. Rifiutandosi di lasciare il set fino a quando non ha potuto attraversare la scena almeno una volta, la leggenda è che è stato girato in una sola ripresa, con un blocco molto limitato. La nozione di un pezzo di cinema così classico che viene creato in un modo superficiale è molto romantica e da allora ha catturato l'immaginazione di attori e pubblico.

La pioggia stessa era fatta di acqua e latte per renderla più spessa e più visibile sullo schermo. Anche il picchiettio delle scarpe di Gene è stato soprannominato più tardi, e questo è stato fatto anche per la maggior parte dei picchi di Debbie Reynolds nel film. Nonostante questi dettagli tecnici goffi, lo spettatore non saprebbe mai quale sforzo è stato fatto per far funzionare la scena. La canzone, in coppia con l'innegabile talento di Gene Kelly, ha creato una scena classica nel cinema e una delle più grandi nella storia della danza.

9

Due bambine di Little Rock Gentlemen Prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Sebbene non sia un esempio particolarmente eccezionale di Marilyn Monroe o del miglior cantante o ballerino di Jane Russell, questa canzone è stata la scena d'apertura di Gentlemen Prefer Blondes, il film che ha lanciato Marilyn Monroe verso la celebrità. Marilyn era apparsa in alcuni film di successo prima di questa produzione, come Monkey Business (1952) e Niagara (1953), ma fu solo grazie a Gentlemen Prefer Blondes che ottenne un'attenzione diffusa. A quel tempo, era ancora considerata un'attrice meno famosa di Jane Russell, e il suo nome è quindi fatturato sotto Jane's nei titoli di testa.

Nel momento in cui Gentlemen è stato girato, ha modellato un personaggio di sex appeal fumante, avvolto in un'innocenza quasi ingenua e con gli occhi spalancati. Marilyn era stato detto durante le riprese di Gentlemen che aveva bisogno di attenuare questo magnetismo sessuale, che a volte poteva diventare un po 'troppo intenso per il ruolo dolce, simpatico (anche se leggermente connivente) che stava interpretando (Jane Russell era stata detta per tonificare in alto). Tuttavia, stava appena cominciando a colpire il pubblico che andava al cinema con questa sessualità calcolatrice, e rimase un aspetto popolare della sua recitazione.

In questa scena famosa ci vengono presentati i personaggi di Jane Russell e Marilyn Monroe in Technicolor abbagliante. Era solo la seconda volta che il pubblico aveva ascoltato Marilyn cantare, (il primo era in un film del 1948 intitolato Ladies of the Chorus) e una delle prime intuizioni di lei con le serrature biondo platino che sarebbero diventate la sua firma (prima di Monkey Business, aveva provato diverse sfumature di biondo: in Do not Bother To Knock (1952) i suoi capelli sono più di un giallo dorato, più brillante della bionda bianca con cui abbiamo familiarità).

Deve essere stato chiaro agli spettatori, quando hanno visto questa bomba bionda esplodere sul palcoscenico nelle sue paillette rosse appariscenti, che stavano guardando una vera star, una donna di una bellezza insondabile e un talento tristemente sottovalutato. Riesce a tenere il passo con la sua co-star più esperta e sfoggia la voce cantautrice e sognante che diventerà uno dei suoi famosi marchi.

Durante tutta la sua breve carriera, Marilyn era solitamente rappresentata come un sexpots bellissimo ma idiota. Nonostante questo personaggio sullo schermo, ha avuto un profondo interesse per la psicoanalisi, credenze molto liberali (specialmente riguardo alla parità di diritti), e fu detto dal terzo marito (e scrittore del dramma The Crucible), Arthur Miller, ad essere un devoto compratore di libri. C'è una voce ricorrente che ha avuto un QI di oltre 160, il che, se fosse vero, l'avrebbe resa molto più che mediamente intelligente.Sicuramente molto più intelligente di un certo presidente americano, si dice che abbia avuto un brutto scherzo. Ma la "voce del QI" è solo una delle tante che ha continuato a emergere negli anni dopo la morte di Marilyn, alcune più controverse di altre. Le sue affermazioni spesso molto sagge suggeriscono che lei era tutt'altro che poco intelligente, una volta che stava scherzando: "Parlando di Oscar, vincerei in modo schiacciante se l'Accademia avesse dato un Oscar per orgasmi falsi. Ho fatto alcuni dei miei migliori interpreti convincendo i miei partner che ero in preda all'ecstasy ".

Tuttavia, non è mai riuscita a combattere il frequente typecasting, sebbene sia riuscita a deviare dal suo ruolo di ditz biondo in alcuni dei suoi film, come Niagara, Bus Stop (1956) e The Misfits (1961). Nonostante il suo successo, anche la vita di Marilyn fu molto travagliata. Verso la fine della sua vita era molto malata e soffriva di due aborti. Durante la sua vita, ha sofferto di depressione e incantesimi di auto-distruzione selvaggia. Si sarebbe presentata alle riprese tardi, frastornata, sommersa dalle pillole, e a volte non si sarebbe presentata affatto. È stata ampiamente colpita come un incubo con cui lavorare, a causa del suo comportamento non professionale e dei problemi con alcol e droghe.

Uno di questi istanti era sul set di The Prince and the Showgirl (1957), dove lo stimato attore Laurence Olivier attaccava spesso Marilyn per il suo ritardo e per aver dimenticato le sue battute. Marilyn sentiva che era stata resa inadeguata e indesiderabile dal grande inglese (sebbene dopo la sua morte avrebbe espresso il suo disgusto per come fosse stata spietatamente sfruttata dall'industria). Ma ha anche raccontato, più spensieratamente, di come lo aveva placato quando, un giorno, lui le aveva "dato l'inferno" per "fregare": "Lo ho calmato dicendogli che pensavo che il suo Amleto (1948) fosse uno dei più grandi film mai realizzati. Sai che ha vinto un Oscar per questo. "

8

Girl Hunt The Band Wagon (1953)

Questa scena, tratta dal film The Band Wagon, è una piccola fetta del climax del film. Il film è incentrato sul languido attore di Hollywood Tony Hunter (Fred Astaire), il quale sente che la sua stella sta calando e che la sua fama si sta prosciugando. Si è persuaso a interpretare un musical leggero che i suoi due amici scrittori hanno creato. Impiegano erroneamente Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), attore e regista con numerosi spettacoli in contemporanea a Broadway, per aiutare nella produzione.

Melodrammatico e un po 'pretenzioso, Cordova trasforma immediatamente il caratteristico musical in un dramma burrascoso, completo di complessi set meccanici che alla fine malfunzionano e rovinano la premiere dello show. Impiega anche la ballerina statuaria Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) per recitare accanto a Tony. I due si scontrano inizialmente, ma alla fine si uniscono per rendere lo spettacolo un successo.

Dopo che la produzione di Cordova crolla, Tony lo convince a tornare alle canzoni originali dei suoi amici. Questi includono un montaggio intitolato "Girl Hunt", che è una parodia della letteratura poliziesca e dei detective "hardboiled" che spesso compaiono in essa. In questa scena, il personaggio di Fred Astaire interpreta un burbero detective a caccia dei tormentatori di una bionda delicata, interpretata dal personaggio di Cyd Charisse, Gabrielle. Gabrielle interpreta anche una bruna afosa, "pericolosa", che tenta di sedurre il detective.

Cyd Charisse e Fred Astaire erano entrambi ballerini straordinari, come dimostra indubbiamente questa scena. Cyd Charisse è stato, letteralmente, allevato per essere un ballerino e lo ha tenuto in considerazione anche per la recitazione. Le sue gambe sono state assicurate per $ 5 milioni, ed è una delle poche donne ad aver ballato sia con Fred Astaire che con Gene Kelly, altre includono Rita Hayworth, Debbie Reynolds e Judy Garland.

Fred Astaire era noto per la sua incredibile grazia, il suo perfezionismo e la leggerezza del piede. Gene Kelly era spesso noto per il suo vigore e la sua forza, mentre Fred Astaire era più preciso e talvolta considerato più coordinato. Tuttavia, anche Cyd Charisse stessa è rimasta molto diplomatica sull'argomento, commentando nella sua autobiografia: "È come paragonare mele e arance. Sono entrambi deliziosi. "

7

Rich Man's Frug Sweet Charity (1969)

Per saltare avanti di sedici anni, Sweet Charity non è stata abbastanza fortunata da nascere negli anni '50, dove complotti discutibili e eroine da dolce a colpa venivano generalmente perdonati se i numeri musicali riuscivano ad espellerli con successo. La ballerina, cantante e attrice protagonista Sweet Charity, Shirley MacLaine, ha interpretato una delle canzoni del film "Se i miei amici mi vedevano ora" come suo marchio di fabbrica.

Il film reca anche un altro preferito perenne, "Hey, Big Spender." Il film segue le disavventure di Charity Hope Valentine (ti dissi che era dolce), una ingenua ballerina per conto, alias prostituta. Nonostante sia costantemente sfruttata nella vita e in difficoltà, lei rimane fiduciosa. I suoi sogni sembrano essere diventati realtà quando lascia la squallida sala da ballo in cui lavora, e incontra Oscar Lindquist (John McMartin), che sembra capire la sua ex professione, anche se in seguito lotterà con l'idea.

Realizzato alla fine degli anni '60, questo musical poteva osare affrontare questioni che i precedenti musical non potevano. La prostituzione è stata spesso accennata nei film degli anni '30, '40 e '50, così come la promiscuità sessuale (Jezebel di Bette Davis (1938), e The Damned Do not Cry (1950) di Joan Crawford), ma moralmente di solito le donne discutibili venivano punite con l'umiliazione o il crepacuore o venivano uccise (il Waterloo Bridge del 1931 di Bette Davis ne è un esempio).

A volte la sessualità veniva accennata senza parole per evitare l'ira del censore.Cyd Charisse e Marilyn Monroe sono stati spesso "vittime del censore", il che significa che sono stati osservati attentamente per assicurarsi che non siano state mostrate quantità inadeguate di pelle o che abbiano superato il segno quando si trattava del loro sex appeal. Cyd Charisse ha espresso il suo divertimento a questa attenzione, dicendo: "I censori erano sempre presenti quando ero sul set. Quando sono stato trattenuto, in ascensore, sono saliti su delle scale per vedere se ero adeguatamente coperto. "

Tuttavia, in Sweet Charity Charity tutti dicono che lei dorme con gli uomini per denaro, ma non è mai vergognosa o uccisa per le sue azioni. Come gestire questo problema, anche le riprese del film sono state abbastanza controverse. Ross Hunter (produttore del Thorlyly Modern Millie del 1967) è stato originariamente impostato come produttore, ma abbandonato a causa di disaccordi con il regista Bob Fosse su come gestire la delicata questione della prostituzione. Ross Hunter non era conosciuto per il suo gusto per il realismo grintoso, quindi è possibile che non desiderasse che la professione di Charity fosse menzionata.

Tempeste in tazze da tè a parte, "Rich Man's Frug" è una scena eccezionalmente ben coreografata e sbarazzina, in cui Charity accompagna una celebrità in un club esclusivo, e osserva i piani. Il numero musicale sembra anche satirizzare la natura della celebrità e del benestante, creando una scena abbastanza bizzarra e bizzarra, completa di ghepardi in gabbia e statue di marmo elaborate. La scena inoltre gocciola praticamente con gli anni Sessanta, rimanendo fedelissima allo stile e all'aspetto del tempo, e solo per questo motivo è davvero memorabile e piacevole da guardare. Quasi ti aspetti che Austin Powers esca da un momento all'altro.

6

Summer Nights Grease (1978)

Per saltare avanti di altri nove anni, Grease ha nuovamente spinto la busta quando si trattava di soggetti tabù. In questo film, il sesso adolescenziale, il bere e il fumare sono fortemente presenti nella trama (anche se il paroliere fa certo menzionare che Sandy e Danny hanno "diciotto anni" e quindi almeno l'età del consenso). Piuttosto che allontanarsi dai fatti, il numero musicale "Notti estive" dipinge un quadro realistico di una scuola superiore: i ragazzi sono quasi tutti affascinati dal sesso, le ragazze possono essere meschine e bifronte. C'è un'ovvia rivalità tra Sandy e Rizzo, che non condivide l'interesse delle altre ragazze per l'estate romantica di Sandy con Danny, mentre gli amici di Danny sono più interessati a "quanto lontano" Danny ha ottenuto con Sandy di qualsiasi altra cosa.

Questo musical molto amato è stato adottato dal palco e modificato per adattarsi al fatto che Olivia Newton-John era australiana (forse non poteva fare un accento americano convincente?), Rendendo Sandy non una ragazza tutta americana, ma un australiano scambiare studente. A seconda della produzione, le performance di questo musical hanno scelto di mantenere questo cambiamento o meno (la produzione nella mia scuola superiore ha scelto di mantenere il patrimonio australiano di Sandy, ovviamente).

I censori hanno ancora affondato i loro denti nei molti riferimenti sessuali del film, assicurandosi che alcuni dei riferimenti più rozzi siano stati tagliati. Forse per paura di innescare inutilmente i censori, i produttori hanno deciso di non scegliere Harry Reems come allenatore Calhoun, a causa della sua convinzione rovesciata per "cospirazione per distribuire oscenità attraverso le linee dello stato" e per i suoi legami con i film per adulti. Stockyard Channing, che interpretava il promiscuo Rizzo, sosteneva in un'intervista che gli hickey sul suo collo in una delle scene erano reali, e che Jeff Conaway "insisteva nell'applicarli personalmente". Anche se personalmente ritengo che la rivendicazione sia più esemplificativa dell'umore acido di Stockyard di qualsiasi metodo di recitazione insolito usato.

La scena "Notti estive" si presenta all'inizio del film ed è probabilmente la più conosciuta e amata di tutte le scene di Grease. "You're The One That I Love" e "Greased Lightning" sono anche i preferiti ricorrenti e duraturi, ma "Summer Nights" è l'unica canzone ad apparire in uno spot pubblicitario per insetti repellenti, quindi è in cima alla lista. Fornì, in un numero abbastanza breve, una grande visione dell'atmosfera scolastica degli anni '50 che il film voleva creare. Introdusse e distinse i personaggi della bassa Marty, del pungente Rizzo e del dolce, frizzante francese, e quelli degli amici "T-Bird" femminilizzanti di Danny.

Olivia Newton-John ha messo in mostra la sua voce cantante, anche se non forte, mentre John Travolta ha seguito il suo ruolo popolare in Saturday Night Fever (1977) con un ruolo altrettanto acclamato, e ha iniziato una carriera molto lunga e di successo nel cinema.

5

Springtime For Hitler The Producers (1968/2005)

Sono una di quelle persone senz'anima che preferiscono il terribile remake del 2005 di The Producers che il classico e rivoluzionario originale. Mi sento impuro per averlo ammesso, ma è così. È Nathan Lane, ed è favoloso, e io sono debole. Ma, a parte le confessioni, questo numero musicale è forse uno dei numeri più esilaranti e meravigliosamente satirici mai fatti. Sta gocciolando con l'umorismo sfrenato di Mel Brooks.

Mel Brooks pensava che la migliore vendetta che avremmo potuto sopportare su Adolf Hitler, per aver inflitto un tale odio e sofferenza al mondo, era di deriderlo, senza pietà, e lo fa. Nel remake del 1983 To Be or Not Be Be appare come il fuehrer stesso, chiedendo: "Cosa vogliono da me !? Sono bonario! Sono di buon cuore! Sono di bell'aspetto! "Quando scopre quello che i giornali stranieri lo chiamano, e continua a cantare che non vuole la guerra, vuole la pace! Un piccolo pezzo di ogni paese in Europa.

The Producers è stata una delle sue commedie di maggior successo e amata, che ha unito Gene Wilder con Zero Mostel e ha creato uno dei numeri più divertenti e più offensivi nella storia della musica. Brooks in seguito ha adattato il film per il palcoscenico, trasformandolo in un musical. Nathan Lane è apparso come Max Bialystock nella produzione teatrale, ottenendo il suo secondo Tony Award. La sua esperienza sul palco è forse il motivo per cui è andato meglio di Mathew Broderick nel remake, ed è così divertente come lo squilibrato Max Bialystock.

Il remake del 2005 è in realtà un remake più fedele del musical teatrale, rispetto al film originale, che non aveva nessuno dei numeri musicali più tardi scritti per il palco ("We Can Do It", "Keep It Gay", "You Mai dire buona fortuna per la serata di apertura, "Tradizione", ecc.) E personaggi diversi per il remake. Ad esempio, nel remake del 2005 Hitler è raffigurato come molto effeminato, mentre nell'originale è raffigurato più come un pothead drogato.

Il film e il musical sono entrambi al centro di Max Bialystock (incidentalmente, "Bialystock" è anche la città polacca in cui vivevano gli antenati di Brooks, devastata dai nazisti durante la seconda guerra mondiale), che si allea con il mousy ragionier Leo Bloom per realizzare il più grande flop nella storia, nella speranza che i soldi che raccolgono per la produzione saranno molto più di quanto è necessario. Scelgono "Springtime For Hitler", un gioco che può offendere la gente ovunque, e impiegare un regista kitsch, il folle commediografo nazista e gli attori inetti per assicurarsi che il musical abbia la più breve corsa a Broadway nella storia.

Trasformare la Germania nazista in un musical da palcoscenico è solo la cosa più offensiva che qualcuno possa tentare, ma, con la sua pazzia stravagante e stravagante, "Springtime for Hitler" non è altro che brillante nella sua insipidezza intenzionale. Sia la versione del 1968 che quella del 2005 della scena "Springtime for Hitler" racchiudono fortemente l'umorismo satirico di Brook, ma l'originale ha il vantaggio di essere, beh, l'originale. E di avere Brooks doppiare una delle linee dei ballerini ("Non essere stupido, sii intelligente. Vieni e unisciti al partito nazista!"), Ma nella versione del 2005 guardiamo donne soldato poco vestite che tolgono gli spilli invisibili granate con i loro denti, mentre una bionda John Barrowman (Torchwood) indossa una divisa tedesca. È difficile.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Sebbene non sia necessariamente un film particolarmente memorabile, RENT ha prodotto una scena davvero eccellente e che è stata accompagnata dalla canzone "La Vie Boheme". Basato sull'omonima produzione teatrale, RENT è incentrato sulla vita dei bohémien poveri che vivono in New York. Tra loro c'è un cineasta, un musicista, un danzatore esotico drogato, un transessuale e un professore di filosofia (entrambi hanno l'AIDS) e un artista bisessuale.

Sembra una premessa affollata e un po 'sconcertante per un musical, ma RENT non si tratta di commedia leggera o romanticismo. Affronta numerose questioni controverse e si concentra in particolare sul panico dell'AIDS tra la fine degli anni '80 e gli anni '90. Si basa anche sull'opera di Puccini La Boheme, che ha una storia simile di artisti e musicisti in difficoltà.

Il film è più o meno una serie di numeri grintosi e incisivi, riguardanti numerosi problemi, come la sessualità e la dipendenza da eroina. La produzione teatrale è andata molto meglio del film, vincendo il Tony for Best Musical, mentre il film ha sofferto di quella "stagionalità" che tanto spesso allontana il pubblico dai musical. Il suo materiale (a volte in modo schiacciante) non è abbastanza per compensare il fatto che c'è poco dialogo, e alcuni numeri sembrano imbarazzanti e irrealistici fuori dal palco. Alcune delle scene dei disordinati bohémien che improvvisamente irrompono nelle canzoni sono molto goffe.

Ma, a parte i difetti, "La Vie Boheme" è uno dei numeri più leggeri e divertenti, che fornisce il tanto necessario sollievo dal dramma sobrio. Piuttosto che concentrarsi sulle difficoltà dei bohémien, "La Vie Boheme" abbraccia le loro varie differenze e prende una forte posizione contro le convenzioni, il conservatorismo e il pregiudizio. Il numero è disinvolto e spiritoso, con particolare attenzione allo ex compagno di stanza dei bohémien Benny Coffin III (Taye Diggs), che sentono aver tradito e abbandonato. Benny adotta un approccio più realistico alla loro situazione, sottolineando che stanno morendo di fame e vivono in un quartiere pericoloso e sporco, ma sembra arruffato dalle manifestazioni di sessualità e di sfida.

La canzone fa riferimento anche al Mago di Oz nella riga: "Perché Dorothy e Toto hanno scavalcato l'arcobaleno per far saltare via Auntie Em. La Vie Boheme! "

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

Nel 2001, dopo una pubblicazione limitata negli Stati Uniti, Moulin Rouge intraprese una lenta ma sicura dominazione di botteghini in tutto il mondo. Baz Luhrmann, con il suo marchio incostante e vistoso, ha creato un film di grande potenza e fascino, e ha preso il concetto di "jukebox musical" in misura maggiore rispetto a qualsiasi altro film precedente. Ha fatto riferimento a una vasta selezione di artisti e musica, in particolare nella canzone "Elephant Love Melody" dove la maggior parte della canzone è creata da singoli testi di famose canzoni d'amore di artisti come The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John e U2.

"El Tango De Roxanne" (basato sulla canzone "Roxanne" di The Police) ha luogo verso la fine del film.Christian e Satine sono amanti, ma il duca insegue aggressivamente Satine e non fa mistero di ciò che accadrà se scoprirà che Satine gli è infedele. Mentre il numero inizia, Satine è stato costretto a passare la notte con il Duca, e Christian è intensamente geloso. Seduto in un silenzio interrotto con gli altri residenti del Moulin Rouge, tira fuori la rabbia su una delle altre prostitute, spingendo il suo amante, l'inconscio argentino (Jacek Koman), a vendicarsi contro Christian, accusandolo di portarlo su di sé per innamorarsi di una donna che si vende da sola: "Quando l'amore è per il miglior offerente non può esserci fiducia. Senza fiducia, non c'è amore. "

Il numero è quasi un ritorno al cinema "Golden Age", nel senso che si concentra in gran parte sulla danza tradizionale e in coppia. Questo era comune nei vecchi musical: "Pick Yourself Up" di Swing Time (1936), "You Were Meant for Me" di Singin 'In the Rain, "Girl Hunt" di The Band Wagon (1953) sono esempi, tra innumerevoli altri . Ma sembrava perdere la popolarità col passare del tempo, e divenne sempre più raro, forse perché era sempre più difficile convincere il pubblico più giovane e cinico di una situazione realistica quando una coppia saltava sporadicamente in ballo insieme. In contrasto, la danza caotica e improvvisata, come quella di "La Vie Boheme", è molto più facile da integrare.

Ma a Moulin Rouge, l'immagine delle file di coppie che ballavano in "El Tango De Roxanne" ha funzionato in modo spettacolare, nonostante il difficile compito di cucire insieme alla trama secondaria di Satine and the Duke. È un esempio di un cinema musicale impeccabile. Non c'è alcuna linea tra il dialogo parlato e la musica, si fonde perfettamente.

Allacciati tra il tango degli uomini e delle donne del Moulin Rouge, vediamo scene del Duca e Satine che cenano insieme. Il Duca crede che Satine sia innamorato di lui e gli stia facendo dei doni, ma il suo umore si affievolisce presto quando si rende conto che non è lui quello di cui Satine è innamorato.

Per inciso, il ballerino principale in questa scena ("Roxanne") è interpretato da Caroline O 'Connor, una famosa attrice australiana, meglio conosciuta per il suo ruolo come Velma Kelly nella produzione teatrale di Chicago.

2

The Cell Block Tango Chicago (2002)

Recentemente ho letto che un critico, recensendo Chicago, aveva creduto che "Cell Block Tango" avesse recitato nel film molto simile a quello che aveva sul palco, e posso dirti che nessuno che abbia visto sia il film che la produzione teatrale potrebbe fare un tale reclamo. La produzione teatrale è fortemente incentrata sul minimalismo e le rappresentazioni teatrali sono molto simili a quelle di uno spettacolo di vaudeville, il tipo di spettacolo in cui il personaggio di Renee Zellweger, Roxie Hart, vuole disperatamente recitare.

Le Follie di Ziegfeld sono spesso descritte come una "classe più alta" degli spettacoli di varietà del vaudeville che andavano dalla fine degli anni '80 agli anni '30. Gli spettacoli di Vaudeville erano composti da una vasta gamma di atti, da "mostri" a canzoni e balli. Di solito c'era anche l'archetipo delle belle ragazze di coro vestite in costume. Per mantenere questo sapore vaudeville, la produzione teatrale di Chicago presenta sia numeri di danza classici, come "All That Jazz" e "I Can not do it Alone", sia altre performance, come "Hungarian Disappearing Act".

Il film ha anche mantenuto il sapore del vaudeville di alcuni dei numeri, ma era ovviamente in grado di creare scene molto più intricate e complesse che la produzione scenica. Molto simile a "El Tango De Roxanne", in cui vengono mostrate scene in sequenza di Satine and the Duke, "Cell Block Tango" utilizza scene in spaccato di Roxy in prigione per creare due trame, una che si verifica nella mente di Roxy e la seconda che è la realtà. Ci sono altri esempi di questo. Particolarmente degna di nota è la scena in cui una delle donne imprigionate viene impiccata. La scena sospesa è intrecciata tra i colpi di un "atto magico" chiamato il "famoso atto di sparizione ungherese". La scena è meno efficace sul palcoscenico, perché l'attenzione del pubblico è divisa tra la visione di "atto di scomparsa" e l'effettiva sospensione.

Il critico è corretto in quanto, probabilmente, la versione del film sul "Cell Block Tango" potrebbe essere stata tradotta sul palco, poiché nella scena non sono stati usati effetti CGI. Ma dovrebbe essere una produzione di proporzioni Phantom of the Opera per ottenere una tale impresa.

Nonostante i vantaggi aggiuntivi delle scene in spaccato (e un budget enorme), la presa del film sul "Cell Block Tango" è alquanto semplice. È, in sostanza, un atto di vaudeville estremamente elegante e su larga scala. Il concetto coinvolge ogni assassino nel carcere di Cook County che racconta l'omicidio commesso, usando una sciarpa rossa per emulare "dove sarebbe stato il sangue".

La produzione teatrale su cui si basa il film è in realtà basata su un film (in realtà, due film), che sono a loro volta basati sulle due prove molto pubbliche di due assassini nella Chicago degli anni '20. La storia è stata portata sullo schermo due volte prima, una volta in un silenzioso film del 1927 con lo stesso nome, e ancora in Roxie Hart (1942), in cui Ginger Rogers (il partner preferito di Fred Astaire) appare come Roxie.

1

Somewhere Over the Rainbow Il mago di Oz (1939)

Ho deciso di aggiungere questo come una sorta di extra, perché ha differenze evidenti con le altre scene. Più ovvio è che non contiene ballare. Ma una sorveglianza sarebbe certamente fatta se questa scena classica fosse omessa (yay per agente meno frasi). Il Mago di Oz ha lanciato una star di diciassette anni, Judy Garland, nella celebrità.Prima di questo film, era apparsa in molti film piccoli e insignificanti e non è stato fino a quando non ha eseguito "You Made Me Love You" alla festa di compleanno di Clark Gable che la sua compagnia MGM sembrava realizzare il suo potenziale.

Il Mago di Oz trasformò Judy in un nome familiare, e in seguito apparve in numerosi musical di successo: Meet Me in St. Louis (1944), accanto a Fred Astaire in Easter Parade (1948), e accanto a Gene Kelly in The Pirate (1948) . All'età di tre anni, anche sua figlia, Liza Minnelli, apparve accanto a lei in The Good Old Summertime (1949).

Proprio come Marilyn, la vita di Judy era estremamente turbata, e a scacchi da cinque matrimoni e numerosi affari (alcuni dei suoi presunti amanti includevano Frank Sinatra, Yul Brynner e Orson Welles), così come diversi tentativi di suicidio. Spesso accusava la MGM di farla sentire inadeguata riguardo al suo aspetto e la trattava male. Come molti personaggi del film del suo tempo, ha sofferto di un problema di alcol e una dipendenza da farmaci, e questo potrebbe aver portato alla sua overdose e morte nel 1969, all'età di 47 anni.

Judy è ancora una delle attrici più famose e apprezzate di tutti i tempi. Questo status è favorito dalla duratura popolarità di The Wizard of Oz, e dalla canzone "Over The Rainbow", che le ha fatto diventare una star e ha portato la sua voce cantante contralto ad apprezzare la sua voce. La canzone si è impantanata # 1 nella lista dei "Greatest Songs" di The American Film Institute negli ultimi 100 anni. La tristezza malinconica della canzone è fortemente associata a Judy e alla sua vita tragicamente tragica.

Judy era spesso molto aperta sui problemi della sua vita, e le sue parole spesso lasciavano intuire una profonda infelicità. È stata citata nella biografia Judy (1999) che diceva: "Volevo credere e ho cercato di fare del mio meglio per credere nell'arcobaleno che cercavo di superare e non potevo. E allora? Molte persone non possono ... "

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The Babbitt and the Bromide Ziegfeld Follies (1945)

Meno un film di una serie di singoli atti musicali, Ziegfeld Follies vanta una sfilza di stelle: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne e una delle ragazze originali di Ziegfeld Follies, Fanny Brice.

Le Ziegfeld Follies erano spettacoli teatrali sfarzosi che andavano dal 1907 al 1937, e mostravano per lo più donne che cantavano, ballavano o semplicemente mostravano i loro sguardi e le loro figure. Le follie di Ziegfeld erano famose per la loro stravaganza. Il creatore, Florenz Ziegfeld Jr., concepì l'idea di prendere la famosa premessa del vaudeville di atti musicali estranei e quindi circondarli di grandi scenografie e costumi. Aveva anche scene in cui le belle donne si limitavano a posare in modi diversi e chiamavano queste "immagini viventi".

La storia di Ziegfeld Follies è estremamente interessante e controversa, ma troppo lunga per discuterne qui. Fornisce, tuttavia, una tela estremamente ricca per qualsiasi film. Sfortunatamente, la premessa di Ziegfeld Follies è piuttosto debole, e consiste in Florenz Ziegfeld seduto in cielo e che evoca mentalmente le scene che seguono. Nonostante questa trama leggera, "The Babbitt and the Bromide" è davvero notevole. L'uno accanto all'altro sono due ballerini leggendari: Fred Astaire e Gene Kelly. Sarebbe stata l'unica volta in cui i due avrebbero ballato insieme nella loro carriera, tranne That's Entertainment Part II (1976), 31 anni dopo.

L'atto in sé consiste in un incontro "Babbitt" e un "bromuro" per la strada e in una discussione senza senso e superficiale. Un "Babbitt" è una parola, piuttosto oscura, per un uomo di classe media compiacente e dalla mentalità ristretta, e un "bromuro" è una parola per una figura retorica non originale o insincera, a suggerire che il personaggio di Fred Astaire è anche entrambi questi caratteristiche (supponendo che il personaggio di Astaire fosse il bromuro, non penso che sia mai stato affrontato). La grazia e la precisione di Fred Astaire, la forza fisica e le notevoli capacità coreografiche di Gene Kelly rendono la scena classica e indimenticabile.

È anche memorabile perché è visto come l'incontro di due geni, soprattutto perché i due uomini giocano se stessi e non i personaggi. Si prendono in giro l'un l'altro all'inizio della scena, Gene facendo riferimento al frequentatissimo partner di Fred Ginger Rogers, e Fred fa lo stesso con la compagna di ballo di Gene, Rita Hayworth, nel film del 1944 Cover Girl.