10 generi musicali del 21 ° secolo la maggior parte delle persone non ha sentito parlare di

La musica si evolve a un ritmo così rapido che spesso è difficile per noi stare al passo con le ultime e le più grandi. Grazie ai costi ridotti delle apparecchiature di registrazione e all'uso diffuso dei personal computer, produrre e rilasciare la musica è ora così accessibile che i nuovi generi sembrano emergere ogni pochi mesi.

10 MIDI nero

Credito fotografico: Gingeas tramite YouTube

Attenzione: non guardare video MIDI neri se sei un epilettico!

Negli anni '80, il mondo della musica è stato rivoluzionato dall'invenzione della Musical Instrument Digital Interface (MIDI). Questo nuovo sistema ha semplificato la capacità degli strumenti musicali elettronici e dei computer di "parlarsi" tra loro, consentendo di controllare notazione, intonazione, tempo e innumerevoli altri parametri con la semplice pressione di un pulsante. Oggi è difficile trovare artisti che non usano il MIDI in qualche modo poiché è diventato onnipresente con la musica pop ed elettronica.

Il concetto di MIDI ha raggiunto nuovi estremi con lo sviluppo di "black MIDI", un genere musicale con una semplice premessa: Cram quante più note possibile umanamente in una singola composizione. Gli umili inizi di Black MIDI possono essere rintracciati nel 2009 quando gli utenti di un popolare sito di video-sharing giapponese hanno iniziato a caricare clip di canzoni a tema di video e anime che avevano remixato nel programma di apprendimento per pianoforte Synthesia.

Quello che era iniziato come un hobby di nicchia per molti adolescenti giapponesi è rapidamente esploso in un fenomeno di Internet in piena regola. "I neri", come si chiamano affettuosamente, da allora hanno sviluppato una comunità online affiatata, hanno pubblicato centinaia di canzoni e creato le proprie etichette discografiche per i musicisti MIDI neri.

Sebbene le canzoni del genere originariamente arrivassero a poche centinaia di migliaia di note, è ormai comune trovare artisti che possano raggiungere il miliardo di marchi. Secondo le classifiche MIDI nere, il detentore del record attuale è Gingeas, che è riuscito a inserire oltre un trilione di note nella sua canzone "Armageddon v2".

Artisti degni di nota: Gingeas, RetroUniversalHT, TheSuperMarioBros2

9 Kawaii Metal

Uno stereotipo comunemente tenuto nel mondo occidentale è l'ossessione giapponese per tutte le cose adorabili. Negli ultimi decenni, kawaii La (carina) cultura si è radicata in molti aspetti della vita giapponese, inclusi cibo, vestiti, giocattoli e persino comportamenti e manierismi delle persone. Nel 2009, un imprenditore giapponese ha deciso di prendere kawaii la cultura al livello successivo, mescolando l'estetica scanzonata da scolaretta della musica pop giapponese con i riff chitarristici e gli scoppiettanti battiti della musica metal.

Kawaii il metallo deve le sue origini alla band Babymetal e all'enigmatico dirigente dietro di esso, Kobametal. Originariamente nato come spin-off del gruppo J-pop Sakura Gakuin, Babymetal ha riscosso molto successo negli ultimi due anni e non solo in Giappone. Il loro album di debutto ha ben funzionato in Austria, Belgio, Olanda, Germania e persino negli Stati Uniti.

Forse Babymetal è così popolare per la giustapposizione di metallo e J-pop, due generi su estremità totalmente opposte dello spettro musicale. È piuttosto accattivante ascoltare voci pop scintillanti su strumentali metallici Slayer-esque. Anche il misterioso personaggio incarnato dalla band potrebbe essere un fattore. In un'intervista su fuse.tv, Kobametal ha affermato che le azioni del gruppo sono guidate da "messaggi divini che arrivano attraverso il dio del metallo che abbiamo chiamato il dio volpe". O forse sono semplicemente sorprendentemente buoni.

Artisti degni di nota: Babymetal, Ladybaby, DOLL $ BOXX

8 lettere minuscole

Sebbene la frase "less is more" fu coniata nel 1855 dal poeta Robert Browning, non entrò nel lessico pubblico finché l'architetto Ludwig Mies van der Rohe non adottò l'idea come principio per il design minimalista negli anni '60. Decenni dopo, i musicisti hanno preso l'espressione al centro, concentrandosi sul suonare solo poche note per creare l'atmosfera piuttosto che su elementi musicali più tradizionali come il ritmo e la melodia.

Ogni giorno, siamo bombardati da così tanto rumore da automobili, aerei, elettrodomestici e costruzioni che spesso le forme più sottili di rumore passano inosservate. Non prestiamo molta attenzione al ronzio del vento o alla pentola che gorgoglia sul fornello. Minuscole, un sottogenere dell'elettronica minimalista, elabora questa idea, usando questi "microsuoli" trascurati e persino il silenzio per creare qualcosa di completamente diverso dal tipo di musica che siamo abituati a sentire.

La minuscola è stata fondata nel 2001 quando Steve Roden ha rilasciato Forme di carta, un album composto esclusivamente da suoni di carta frusciante. Distorto e amplificato usando un computer, è stato disposto digitalmente in una inquietante composizione di 54 minuti. Gli artisti del genere possono usare qualsiasi cosa, comprese registrazioni sul campo di foglie fruscianti, persone che respirano o campane che suonano in lontananza.

Sul sito web di Electro Acoustic Research, Roden ha dichiarato: "[minuscolo] porta un certo senso di quiete e umiltà; non richiede attenzione, deve essere scoperto. "Questa è una dichiarazione rinfrescante considerando le orecchiabili" guerre di rumori "che si verificano attualmente all'interno della musica popolare.

Artisti degni di nota: Steve Roden, Richard Chartier, Alva Noto

7 Seapunk

Il 2010 ha visto un enorme aumento delle sottoculture online, in gran parte a causa della crescente popolarità dei social media. Le tendenze possono esplodere durante la notte, essere l'argomento della conversazione per un paio di giorni, e recedere nell'oscurità con un preavviso di appena un istante. Nulla racchiude la natura effimera della vita moderna come il seapunk, un microgenere di musica elettronica che, per un breve periodo, è stato un grosso problema per una manciata di persone.

Originariamente chiamato "web joke with music" di Il New York Times, seapunk è stato creato da un gruppo di musicisti online con una nostalgia condivisa per la cultura degli anni '90. Il genere mescola musica elettronica rimbalzante con i suoni ipnotici dei videogiochi a tema oceano (come Ecco il Dolphin o i livelli dell'acqua a Donkey Kong) e sintetizza strumenti tropicali come marimbas e tamburi d'acciaio. Non solo limitato alla musica, seapunk ha anche generato una tendenza di design molto popolare che utilizzava immagini acquatiche e ogni tonalità di turchese immaginabile.

Alla fine del 2012, la comunità seapunk era in armi con la "cooptazione" del genere da Rihanna e Azealia Banks. Rihanna ha eseguito la sua canzone di successo "Diamonds" su SNL di fronte a sfondi che ricordano molto il film di Jerome LOL del pioniere del genere per la sua canzone "Blockz". Solo pochi giorni dopo, Banks ha pubblicato un video musicale ispirato alla saga per la sua canzone "Atlantis".

Artisti famosi: Unicorn Kid, Blank Banshee, iamamiwhoami

6 Wizard Rock

Nel 1990, J.K. Rowling era su un treno affollato da Manchester a Londra quando la premessa di Harry Potter si materializzò all'improvviso nella sua testa. Trascorse le successive quattro ore a scrivere i dettagli che avrebbero dato vita a una delle serie letterarie più amate della storia, vendendo oltre 400 milioni di copie in tutto il mondo. La mania di Harry Potter ha ispirato sia bambini che adulti, generando innumerevoli spin-off fan, una vera e propria lega di Quidditch e persino un intero genere musicale.

Wizard rock (a volte noto come "Wrock") è apparso negli Stati Uniti intorno al 2002 con la band del Massachusetts Harry and the Potter. Il genere è poi cresciuto a livello internazionale, ispirando imitatori in lungo e in largo e persino ispirando Wrockstock, un festival annuale di bande di mago rock.

Wrock non aderisce a uno stile musicale particolare, ma attinge invece fortemente ai temi dell'universo di Harry Potter. Le band in gran parte scrivono canzoni dalle prospettive di specifici personaggi e spesso indossano costumi per aggiungere un livello più profondo di immersione nelle loro performance. Sebbene i riferimenti letterari fantastici nella musica siano difficilmente un nuovo concetto (i Led Zeppelin facevano famoso riferimento al regno della Terra di Mezzo di J.R.R Tolkien in un certo numero di canzoni), nessun altro franchise, ma Harry Potter ha ispirato un intero genere musicale.

Artisti degni di nota: Harry e i Potter, Draco e i Malfoy, The Parselmouths

5 Witch House

I musicisti sono stati a lungo associati all'occulto. Nei tempi antichi, gli sciamani eseguivano incantesimi per convocare gli spiriti. Negli anni '90, gruppi di black metal norvegesi hanno bruciato chiese e ucciso i propri membri della band. Verso la fine degli anni 2000, il lato oscuro della musica vide un risveglio con l'emergere di un piccolo genere noto come casa delle streghe.

Mescolando l'atmosfera nebbiosa delle band goth degli anni '80 come Cocteau Twins e The Cure con musica dance hip-hop ed elettronica più convenzionale, la casa delle streghe è stata creata da Salem nel Massachusetts nel loro album del 2010 King Night.

Come seapunk, il genere implementa un'estetica visiva che trae spunto dalla cultura pop degli anni '90, in particolare The Blair Witch Project, Cime gemelle, e Ammaliato. Altri elementi comuni del genere sono riferimenti alla stregoneria, all'album d'ispirazione horror e all'uso di triangoli, croci e altri simboli nei nomi di artisti e titoli di canzoni.

Witch House è stata in gran parte vista come una reazione al chillwave, un concomitante micro-genere che ha enfatizzato la calda atmosfera e le vibrazioni estive della musica pop della fine degli anni '70 e dei primi anni '80. Sebbene i rilasci siano rallentati significativamente dal suo picco, un certo numero di artisti nel genere ha riscosso successo in tutto il mondo.

Artisti degni di nota: Salem, Crystal Castles, oOoOO, Ritualz

4 Nintendocore

Per molti di noi nati negli anni '80 e '90, possiamo ringraziare Koji Kondo per aver composto la colonna sonora della nostra infanzia. Kondo ha scritto alcuni dei brani più indimenticabili della storia per i videogiochi per le serie Super Mario e Legend of Zelda, per citarne alcuni. I suoi contributi hanno rivoluzionato non solo i videogiochi, ma l'intera industria musicale. Sarebbe stata una vera impresa per Kondo aver predetto l'estensione della sua influenza, che ha raggiunto quasi ogni angolo del mondo.

Nintendocore fonde due alleati improbabili: i suoni a 8 bit della musica dei videogiochi lanciati da Kondo con l'aggressività del punk e del metal hard-core. Sebbene il genere non sia emerso fino ai primi anni del 2000, la fondazione è stata gettata negli anni '90. Autoclave è stata la prima band a coprire una canzone di videogiochi; l'ultima canzone del loro album omonimo è il tema di Paperboy. Nel frattempo, i rocker eccentrici Mr. Bungle hanno usato i suoni di Super Mario Bros. nel loro omonimo album di debutto.

Il primo album dei Nintendocore fu pubblicato nel 2001 da Horse the Band. La congiunzione tra i riff di chitarra pesante e le tastiere utilizzate per replicare i suoni di Nintendo a 8 bit ha attirato l'attenzione del pubblico di tutto il mondo, e la band ha visto un successo modesto nei suoi quasi due decenni di esistenza. Il termine "Nintendocore" fu coniato dal front man del gruppo per descrivere l'album, anche se inizialmente lo usava come uno scherzo. Tuttavia, il termine ha preso piede, e il resto è storia.

Artisti degni di nota: Horse The Band, The Advantage, Minibosses

3 Pirate Metal

Grazie al successo di film come Peter Pan, gancio, e pirati dei Caraibi, siamo tutti esperti nell'estetica dei pirati: barbe, tatuaggi e tanto rum. Naturalmente, questa immagine sembrerebbe tradursi abbastanza bene nel mondo della musica. Da tempo i musicisti sanno indossare i capelli facciali, tatuare i loro corpi e bere grandi quantità di alcol. Quindi, il termine "pirate metal" potrebbe non sembrare molto più lungo.

Le origini del pirate metal possono essere ricondotte alla versione di Running Wild del 1987 di Sotto Jolly Roger. Quando le immagini sataniche e il lirismo politico del gruppo non furono ben accolte dalla popolazione tedesca, adottarono la personalità pirata che avrebbe influenzato dozzine di bande qualche decennio dopo.

Il metallo pirata è definito dall'incorporazione di abbigliamento pirata, folclore e gergo nella loro musica. I gruppi possono anche utilizzare strumenti tradizionali più tradizionali come le concertine e il dabble nelle occasionali chantey marittime. Il genere conferisce un tono più gioviale all'heavy metal, che di solito è caratterizzato da cupezza, morte e distruzione.

Artisti degni di nota: Alestorm, Running Wild, Lagerstein, Swashbuckle

2 Vaporwave

Tra i giovani, la disillusione nei confronti della società tradizionale sembra essere al massimo storico. Gli scambi di elettori sono in costante diminuzione e un numero irragionevolmente elevato di persone subisce la disoccupazione cronica, in particolare in Europa. La parola tedesca "weltschmerz" (dolore mondiale) descrive l'angoscia e la dissonanza culturale vissuta dalle persone quando il mondo non è all'altezza delle loro aspettative, un sentimento che gli artisti hanno riecheggiato nel micro-genere del vapore d'acqua degli anni 2010.

Vaporwave è caratterizzato da un pesante campionamento di jazz liscio e musica lounge degli anni '70 in poi, oltre a campioni vocali con toni e synth elettronici confusi. Il genere è stato formato quasi per pura coincidenza da Daniel Lopatin e James Ferraro, musicisti sperimentali che hanno pubblicato album all'incirca nello stesso periodo che suonavano stranamente simili. Intriso di nostalgia e di un'estetica retrò obsoleta, il genere non solo mira a riportare gli ascoltatori a tempi più semplici, ma anche a fornire una critica contemporanea alla cultura del consumo e al capitalismo.

Come la casa dei seapunk e delle streghe, vaporwave incorpora la propria estetica visuale per adattarsi alla musica. Le immagini di spicco includono il web design degli anni '90 (penso Angelfire e Neocities), immagini 3D obsolete, l'uso di caratteri giapponesi in nomi di artisti e titoli di canzoni, arte glitch e senza alcuna apparente ragione, scultura romana e greca antica.

Artisti degni di nota: Macintosh Plus, Saint Pepsi, James Ferraro, Chuck Person

1 Hard Harsh Wall

Il pittore e compositore del Novecento Luigi Russolo è forse ricordato per il suo manifesto, L'arte dei rumori, che sosteneva che la rivoluzione industriale aveva lasciato il posto a un'abbondanza di suoni nuovi, una volta incomprensibili per il genere umano. Si sentiva costretto dalla musica contemporanea, che ha dato troppa enfasi alla melodia. Invece, Russolo propose una nuova forma di musica caratterizzata dal rumore. Passò decenni a improvvisare strumenti musicali sperimentali che chiamò intonarumori.

Sin dai tempi di Russolo, la musica noise ha ispirato una vasta gamma di generi, anche se molti rimangono ancora ai margini della scena musicale. Pochi musicisti sono stati in grado di raggiungere un vasto pubblico attraverso il rumore, perché le orecchie umane apprezzano suoni puliti, formali e armonici.

Una delle più recenti iterazioni del rumore è la parete del rumore duro (HNW). Per dirla semplicemente, HNW è un enorme dito medio per tutto ciò che sappiamo su ciò che rende la musica piacevole. Il genere è totalmente privo di elementi che normalmente associamo alla musica, come la melodia o il ritmo strutturato. È forse il tipo di musica più estremo che esista attualmente, a volte inquietante l'ascoltatore creando un "muro" inesorabile di rumore privo di dinamica o progressione. HNW è inesorabile, cacofonico e dissonante. A volte può causare dolore o una maggiore risposta surrenale. La discrezione dell'ascoltatore è consigliata.

Artisti degni di nota: Vomir, The Rita, Werewolf Jerusalem