10 tecniche musicali affascinanti e insolite

In Mongolia, un affascinante tipo di cantante è in grado di prendere una singola nota e scomporla nei suoi toni componenti, apparendo a cantare diverse note allo stesso tempo. Negli Stati Uniti, un "eepher" usa un tipo di "hillbilly beatboxing" per far ridere e colpire il pubblico. Sulle distese ghiacciate del Lago Baikal in Russia, un gruppo di percussionisti esplora i diversi suoni che il ghiaccio fa quando tamburellano su di esso. Ciò che hanno in comune, così come il resto degli elementi di questa lista, è che tutti sfruttano la connessione umana universale per il suono, il ritmo e la musica.

Questo elenco include tecniche compositive, prestazionali, strumentali e vocali.

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Drumming su un lago ghiacciato

Il lago Baikal è il più grande lago del mondo per volume d'acqua; è così grande, infatti, che contiene 1/5 della superficie di acqua dolce non ghiacciata del mondo. È anche il lago più profondo del mondo (poco più di un miglio di profondità) ed è forse anche il più antico del mondo. Baikal è sede di numerosi animali affascinanti, tra cui una delle uniche specie di foche d'acqua dolce, oltre a un pesce estremamente grasso, senza squame e traslucido chiamato un golomyanka.

Ma cosa c'entra questo con la musica? Bene, un gruppo di percussioni russo noto come "ETHNOBEAT", della Irkutsk Technical University, soggiornò nel lago Baikal nel marzo 2012 per suonare sulla superficie ghiacciata del lago Baikal. Guarda come i membri del gruppo sfidano il tempo di -20ºC per produrre una bella serie di suoni percussivi usando solo le loro mani e i diversi tipi di ghiaccio a loro disposizione. Il gruppo deve il progetto a un gesto di goffaggine: Tatiana, la moglie di uno dei batteristi, era già caduta sul fondo, producendo un suono musicale intrigante quando ha colpito la superficie. Da lì, un singolare concerto sorse, trasformando l'acqua ghiacciata in una sinfonia.

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Eephing

Probabilmente Eephing (eefing a volte scritto) può essere meglio inteso come un tipo di "beatboxing collinoso", anche se precede il beatboxing di quasi 100 anni. È una tecnica di canto appalachiano dal ritmo incalzante che può essere suddivisa in modo univoco come 1/3 che dice "eef" (o un'altra vocale + f), 1/3 di peti della bocca e 1/3 ansimante. Jennifer Sharpe, che ha profilato il leggendario eepher Jimmie Riddle in NPR, l'ha descritta come "una sorta di singhiozzo ritmico singhiozzante". Ha avuto origine nelle comunità agricole rurali del Tennessee, dove gli eephers avrebbero imitato i suoni dei loro maiali e tacchini.

Eephing non ha mai visto molto in termini di successo mainstream, ma ha ottenuto i suoi 15 minuti di fama nel 1963 quando Riddle è apparso nel singolo "Little Eefin" di Joe Perkins. "La piccola Ann Eefin raggiunse la posizione # 76 nelle classifiche di Billboard ed espose un generazione di ascoltatori per i suoni unici di eephing.

Guarda questo video per una breve lezione di Riddle.

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Konnakol

Konnakol, a volte colorato con il nome di "Indian scat singing" o "Indian beatboxing", è l'arte sud indiana delle percussioni vocali. È una componente di "solkattu", il linguaggio delle sillabe di batteria, insieme a "tala" (o "taal"), la parte percussiva fatta con la mano su un tamburo "mridangam". Con il tala, il contatore viene tenuto con le onde, i battiti delle mani e il conteggio delle dita, mentre il musicista simultaneamente vocalizza il konnakol.

Gli attori del konnakol imparano regole e tecniche molto complesse, sistematiche, quasi grammaticali per produrre percussioni vocali a fuoco rapido. Come con qualsiasi sistema musicale avanzato, deve essere visto e ascoltato per essere pienamente apprezzato. John McLaughlin, un musicista e virtuoso della chitarra inglese che ha studiato il konnakol e altre tecniche e stili indiani, ha detto di konnakol: "se riesci a capire Konnakol, il sistema di apprendimento più avanzato del mondo, puoi capire qualsiasi ritmo da qualsiasi paese in il pianeta."

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Musica attraverso-composta

La musica composta da musica si riferisce a un brano musicale che non ripete alcuna parte di se stesso, o lo fa raramente. Quasi tutte le composizioni hanno elementi musicali che si ripetono continuamente, specialmente la musica pop, che ha una struttura abbastanza rigida che vede relativamente poche deviazioni.

La musica veramente composta è abbastanza rara, ma ci sono alcuni esempi ben noti. Schubert scrisse un certo numero di "lieds" (romantici poemi tedeschi messi in musica), dove scrisse musica diversa per ogni linea. Anche la "Farewell Symphony" di Haydn è stata composta. Nella musica popolare, la maggior parte dei cosiddetti pezzi composti attraverso, infatti, hanno una certa quantità di elementi ripetitivi, ma sono ancora in gran parte considerati come una parte del genere. Forse l'esempio più famoso nel rock è la "Bohemian Rhapsody" della regina, il classico del 1975 non ha un coro, ed è diviso in sezioni distinte che includono elementi di folk, rock, rocce dure, opera e ballate. I Beatles hanno un certo numero di brani (tra cui "Happiness is a Warm Gun", "A Day in the Life") che sono canzoni ibride che comprendono due parti ben distinte.

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hollerin'

Hollerin 'è un'antica tradizione canora le cui origini risalgono agli albori del linguaggio. Aveva uno scopo pratico: comunicare informazioni su lunghe distanze. Nel 1700, nel North Carolina, i taglialegna urlavano di comunicare importanti istruzioni l'un l'altro; è sopravvissuto per molti anni in varie forme. Ci sono molti scopi diversi per un holler, tra cui angoscia (pericolo), comunicativo (di solito un saluto di base), funzionale (chiamate agricole quotidiane) ed espressivo (il puro piacere di hollerin ').Anche se hollerin 'è stato funzionalmente morto da un po' di tempo, dal 1969 è in atto un risveglio sotto forma di The National Hollerin 'Contest in Spivey's Corner, NC. Tenuto il 3 ° sabato di giugno, il concorso cerca di far rivivere l'arte estinta e mantenere viva la sua eredità.

Il campo hollering, un cugino afroamericano per gridare, è un tipo di canto che può essere considerato un parente stretto della "canzone del lavoro". Crede di essere un potenziale precursore del blues, il campo hollering non compare su nessun registrazioni fino alla metà degli anni '30, ma si sa che ha radici molto più antiche. Implica il falsetto, il portamento (che scorre da un passo all'altro) e le improvvise variazioni di tono.

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Canto alla gola di Tuvan

I cantanti di Tuvan hanno realizzato qualcosa di veramente sorprendente: sono in grado di cantare simultaneamente campi multipli. Questi cantanti - della regione siberiana di Tuva - stanno usando una tecnica vocale che è un tipo di "canto armonico", uno stile di canto che esiste in tutto il mondo. Il canto degli Overtoni è probabilmente nato in Mongolia, nelle regioni ora note come Khovd e Govi-Altai. Tradizionalmente, questi "xöömei" sono stati uomini, ma sempre più donne stanno iniziando a imparare la pratica.

Quando ascolti un pezzo di musica per la gola per la prima volta, è abbastanza mozzafiato e probabilmente diverso da qualsiasi cosa tu abbia mai sentito. Il cantante inizia con un suono ronzante profondo, basso, gutturale, e poi col tempo lo suddivide nei suoi toni componenti, amplificando ciascuno separatamente in modo che possa essere ascoltato come una nota distinta. È una tecnica tremendamente difficile da padroneggiare, poiché coinvolge diversi componenti: i cantanti di gola devono respirare circolarmente (vedi punto 2), per consentire alla voce di essere continua e ininterrotta, quindi controllare varie parti della gola e della bocca (labbra, lingua, mascella, velum e laringe) per creare camere di eco nelle loro corde vocali. Da lì manipolano il suono per creare musica distinta, sfaccettata e davvero unica.

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lamento

Quel suono lamentoso e inquietante che fa una banshee? Questo è chiamato "lamento", un tipo di lamento musicale e vocale solitamente associato all'Irlanda, sebbene esista in varie forme in molte altre culture. Agire è "fare un forte e lungo grido di dolore; lamentarsi con un acuto. "Anche se oggigiorno non si suona comunemente in Irlanda (la maggior parte del lamento cessò nei primi anni del 1900), era una pratica normale ai funerali, sia da una singola donna che da un gruppo di donne. C'era una volta, gli appassionati ("mná caointe") eseguivano questi "caoineadh" alle scie e ai funerali come un modo per unirsi alla comunità insieme in uno spettacolo o dolore e lutto. I Keeners avrebbero elogiato i morti, ma avrebbero anche urlato maledizioni a coloro che avevano commesso un errore nel defunto. Più che semplici dolenti, mná caointe aiutò le comunità a gestire la morte, tenendo anche le funzioni spirituali, come assistere i defunti nel loro viaggio verso l'aldilà.

La pratica potrebbe risalire fino agli israeliti (e forse anche oltre), che passarono l'usanza lungo le civiltà orientali, poi attraverso i greci e i romani. Nella lingua irlandese, la parola era scritta "cine", molto simile alla parola ebraica "cina" - "lamento o pianto con battito di mani".

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Hannes Coetzee e His Spoon Guitar

Hannes Coetzee vive nella piccola città sudafricana di Herbertsdale, dove si guadagna da vivere estraendo l'aloe dalle succulente nel deserto. E 'conosciuto in tutto il mondo, tuttavia, per il suo stile unico di suonare la chitarra - si autodefinisce come un "chitarrista da slittino". Con un cucchiaio in bocca che funge da tipo di diapositiva, Coetzee convince una musica distinta e pungente dal suo acciaio. chitarra. La tecnica è chiamata "optel an knyp", che significa "presa e pizzico", ed è uno stile di gioco che, per quanto ne sa, è stato inventato dallo stesso Coetzee.

La storia di Coetzee ha ricevuto un riconoscimento più ampio in un documentario del 2003 intitolato "Karoo Kitaar Blues". Il film racconta gli sforzi compiuti dal musicista sudafricano David Kramer nel 2001 per mettere in scena un concerto con alcuni dei migliori musicisti sconosciuti del paese.

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Respirazione circolare

La respirazione circolare è una tecnica di respirazione piuttosto difficile che consente effettivamente a una persona di sostenere una nota musicale (o una successione di note) indefinitamente. In superficie, non è eccessivamente complicato: quando esegui questa tecnica, stai essenzialmente respirando normalmente, mentre conservi una piccola quantità di aria extra nelle guance in modo che quando non hai il respiro nei polmoni, puoi respirare rapidamente attraverso il naso mentre usi quella riserva di guance per continuare a giocare. I meccanismi non sono complessi da comprendere, ma in realtà ci vuole molta pratica. Alcuni strumenti, forse il più famoso didgeridoo, richiedono questo tipo di respirazione per suonare correttamente; mentre gli originali della respirazione circolare non sono noti, è possibile che gli aborigeni australiani abbiano sviluppato la tecnica specificamente per il didgeridoo.

Mentre molti musicisti si sono fatti un nome (almeno in parte) attraverso il loro uso della respirazione circolare - tra cui il trombettista messicano Rafael Mendéz, il sassofonista britannico Andy Sheppard e il capo della band americana Irvin Mayfield - non è nientemeno che Kenny G che ha stabilito un record mondiale . Nel 1997, il musicista jazz contemporaneo adulta suonava un'E-Flat sul suo sassofono soprano per 45 minuti e 47 secondi, riuscendo a mantenere la nota usando la tecnica della respirazione circolare.

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Chitarre parlanti

http://www.youtube.com/watch?v=0dTFajHVyHo

Probabilmente il più famoso musicista di chitarra parlante è Peter Frampton, che ha cantato la sua "Talk Box" sui singoli di successo "Do You Feel Like We Do" e "Show Me The Way". Il Talk Box è un'unità di effetti che consente all'utente di collegare la propria voce a uno strumento; Frampton ha una sua linea di talkbox e deve almeno parte del suo successo al suono distintivo della sua voce pronunciata attraverso la sua chitarra elettrica.

Frampton, tuttavia, non fu certo il primo musicista a sperimentare con le chitarre parlanti. Alvino Rey, un musicista americano dell'oscillazione spesso accreditato per aver inventato la chitarra in acciaio a pedali, è stato il pioniere di un microfono a gola di carbonio che era stato cablato per influenzare il tono della sua chitarra elettrica. Rey mise il microfono sulla gola di sua sorella, che mormorò parole, producendo quello che Rey chiamava "la chitarra cantante". Molti dei pezzi di Rey contenevano un piccolo burattino di chitarra chiamato "Stringy", che recitava come una sorta di canto, voce chitarristica manichino ventriloquo.

Nel 1964, il pioniere della musica Pete Drake pubblicò "Forever", un album il cui singolo omonimo era un grande successo. Lo stile della "chitarra cantante" è risorto, e la canzone ha raggiunto il 22 ° posto nelle classifiche di Billboard. La padronanza della chitarra di Drake, sia "parlante" che non, portò a essere protagonista di dozzine di successi negli anni '60, tra cui "Lay Lady Lay" e (molto probabilmente) "Stand By Your Man".

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Chanking

"Chanking" è una tecnica chitarristica, trovata (tra gli altri stili) nel punk, nel reggae e nel rhythm and blues, dove si stringono (e si tengono) le corde contro il manico della chitarra e della musica allo stesso tempo. La parola è un portmanteau (il risultato di due parole mescolate insieme per formare una nuova) di "choke" e "yank". Il risultato è un suono percussivo graffiante e ripetitivo reso famoso da James Brown e dal suo chitarrista Jimmy Nolen, e può essere ascoltato chiaramente nel loro hit del 1965 "Papa's Got a Brand New Bag".

Il Chanking è strettamente correlato al "scratching di pollo", una tecnica simile che differisce dal leggero e rapido rilascio della mano che si sfrega. Per far risuonare il pollo, i chitarristi premono leggermente contro le corde e rilasciano rapidamente, strimpellando molto rapidamente con l'altra mano vicino al ponte della chitarra.