10 veri significati dietro alle canzoni che pensavi di aver capito

Ci siamo seduti tutti ad ascoltare i testi delle nostre canzoni preferite, cercando di dare un senso a loro. Spesso il significato della canzone ci sfugge, ma altre volte otteniamo ciò che il cantautore stava cercando di dire ... o almeno pensavamo di averlo fatto. Ecco 10 canzoni che pensavamo di aver capito ma che avevano torto.

Immagine in evidenza: Jim Pietryga

10 Bob Marley "I Shot the Sheriff" parlava di controllo delle nascite

Esther Anderson era un nativo giamaicano che ha contribuito a costruire Island Records nei primi anni '60. Era un'attrice e una fotografa e ha co-scritto canzoni e testi per l'etichetta Island Records. Anderson era a New York City nel 1972 quando incontrò Bob Marley a una festa in albergo

Iniziarono a frequentarsi e Anderson, quasi dall'inizio, collaborò con Marley alle sue canzoni. Per il prossimo album di Marley and the Wailers, Bruciare', Marley e Anderson hanno scritto "I Shot the Sheriff." In seguito, Marley ha affermato che parte della canzone era basata su eventi reali ma non sarebbe stata elaborata. Per anni, i fan hanno speculato sulle origini della canzone e sui quotidiani in cerca di sparatorie di sceriffi e deputati. Poi, nel 2001, Anderson ha scritto una biografia di Marley in cui ha rivelato cosa ha scatenato la canzone.

Marley è cresciuto in una famiglia cattolica, ma quando ha incontrato Anderson, era un Rastafariano. Le sue credenze profondamente radicate impedivano l'uso del controllo delle nascite, e spesso discuteva con Anderson sul suo uso della pillola. Marley voleva che Anderson avesse il suo bambino e considerava il controllo delle nascite l'uccisione del suo "seme". Anderson rifiutò, specialmente quando scoprì che Marley era sposato e aveva già diversi figli.

Un risultato specifico di "I Shot the Sheriff" è stato il risultato. Secondo Anderson, lo sceriffo John Brown era in realtà il dottore che le prescrisse le pillole anticoncezionali, e presumibilmente il sostituto era Anderson stessa. Con questa rivelazione, i testi ora diventano più chiari:

Lo sceriffo John Brown mi odiava sempre,
Per cosa, non lo so:
Ogni volta che pianta un seme,
Ha detto di ucciderlo prima che cresca.

"A Tout Le Monde" di 9 Megadeth parlava di esprimere amore

Megadeth è considerato un pioniere nel sottogenere "thrash metal" della musica heavy metal ed è stato pesantemente criticato per i loro testi violenti e la preoccupazione per la morte. È quindi leggermente scioccante sapere che una delle canzoni più controverse della band riguarda l'espressione dell'amore prima che sia troppo tardi.

Quella canzone era "A Tout le Monde" (che significa "To the World" o "To Everyone"), pubblicato nel 1994. I testi della canzone suonano come un suicidio, ed è stato ampiamente stroncato per promuovere il suicidio agli adolescenti. Non è stato d'aiuto che sia uscito su un album intitolato Youthanasia. MTV ha bandito il video per il suo presunto messaggio pro-suicidio e lo ha trasmesso solo dopo che alla fine del video è stato aggiunto un disclaimer: "Il suicidio non è una risposta. Ottenere aiuto."

Il furore si è finalmente placato quando un fan dei Megadeth ha compiuto una sparatoria nel campus di Montreal del Dawson College nel 2006. Una persona è stata uccisa e altre 19 sono rimaste ferite prima che il tiratore si suicidasse. Lo sparatutto ha scritto in anticipo che "A Tout le Monde" lo aveva ispirato. La band fu pronta a condannare la furia, soprattutto perché due dei suoi membri provenivano da Montreal.

Fin dall'inizio, Dave Mustaine (il cantante dei Megadeth) ha insistito sul fatto che la canzone non parla di suicidio. In un'intervista in cui uscì l'album, disse:

Non è una canzone suicida. Quello che è, è, tu, è quando le persone hanno una persona cara che muore e finiscono con una nota negativa, sai, desiderano che possano dire qualcosa a loro. Quindi questa è un'opportunità per il defunto di dire qualcosa prima che vadano. E fu la mia impressione di cosa avrei voluto dire alla gente, se avessi detto, 3 secondi per farlo nella vita prima di morire, direi al mondo intero, a tutti i miei amici, ti amo tutti, e ora devo andare.

Più tardi, Mustaine disse che stava pensando al trapasso dei propri cari dopo aver fatto un sogno sulla sua defunta madre, Emily. Nel sogno, Emily è venuta da lui specificatamente per dire "addio" e che lo amava, qualcosa che non era in grado di fare prima di morire. Mustaine decise che non avrebbe commesso lo stesso errore.

Il "Maneater" di Hall and Oates parlava di New York

Darryl Hall e John Oates sono uno dei duetti di maggior successo nella storia del rock. La coppia ha avuto 29 hit tra i primi 40 anni tra il 1976 e il 1990, sei dei quali hanno raggiunto il numero uno. Una canzone del genere era "Maneater", dal loro album del 1982 H2O. Preso per valore nominale, il testo sembra riguardare una donna spietata e predatrice che usa la sua bellezza per attirarle uomini facoltosi. La speculazione secondo cui la canzone parlava dell'attrice e modella inglese Kelly LeBrock divenne così diffusa che molte persone credono ancora che lei sia l'ispirazione anche tre decenni dopo.

Tuttavia, una canzone scritta da Hall, Oates o entrambi è raramente così semplice. In un'intervista del 2014, a John Oates è stato chiesto quale fosse la canzone "I Can not Go For That (No Can Do)", una canzone che sembrava essere un amante che ha chiesto troppo, era in realtà su:

Quella canzone è tipica di molti dei testi che abbiamo scritto nel corso degli anni. Sembra che riguardi una cosa, ma in realtà non lo è. [...] Se abbiamo un qualche tipo di filosofia per i nostri testi nel corso degli anni è stato per cercare di prendere un soggetto universale e in qualche modo farlo sembrare personale in modo che le persone potessero relazionarsi ad esso come se fosse una cosa personale.L'argomento di base non è in realtà. Quella canzone parla del business della musica. Quella canzone parla davvero di non essere spinti in giro da grandi etichette, manager e agenti e viene detto loro che cosa fare e essere fedeli a se stessi in modo creativo.

Un'altra canzone di successo della loro "Rich Girl" - sembrava essere una donna vanitosa, ossessionata dalla sua stessa ricchezza. Oates ha detto che mentre la canzone parla di una persona ricca, il soggetto è un uomo, non una donna:

Era scritto di un ragazzo che era l'erede di una fortuna da fast food. Ovviamente, poiché Daryl è davvero intelligente, ha capito che "Rich Girl" sembrava migliore di "Rich Guy". Questa è la verità. Aveva troppi soldi e troppe droghe - e si è appena bruciato. È venuto a trovarlo una volta, e dopo che se ne è andato, Daryl ha avuto l'idea.

Per quanto riguarda "Maneater", non si trattava nemmeno di una donna:

"Maneater" parla di New York negli anni '80. Riguarda l'avidità, l'avarizia e le ricchezze viziate. Ma ce l'abbiamo nel contesto di una ragazza perché è più facilmente riconoscibile. È qualcosa che le persone possono capire.

7 Carly Simon "You're So Vain" era probabilmente su Daniel Armstrong

Poche canzoni hanno generato tanta speculazione e frustrazione come il successo di Carly Simon del 1972 "You're So Vain." Parte del motivo era che Simon era stato collegato - professionalmente, romanticamente o entrambi - con alcuni dei più grandi nomi del settore dell'intrattenimento -Kris Kristofferson, Cat Stevens, Mick Jagger, Warren Beatty e James Taylor, suo marito all'epoca. È quindi un po 'sorprendente che il vero soggetto della sua canzone sia probabilmente un uomo che la maggior parte delle persone al di fuori dell'industria musicale non ha familiarità con.

Un altro motivo per cui il mistero cattura ancora l'attenzione dopo quattro decenni è che Simon stessa ha lasciato indizi e invitato i fan a mettere insieme gli indizi. Ha anche tenuto un'asta di beneficenza nel 2003 dove ha sussurrato il segreto al miglior offerente, Dick Ebersol, presidente di NBC Sports, che ha pagato $ 50.000.

Quando ha pubblicato una versione aggiornata di "You're So Vain" nel suo più grande album di successi Non è mai stato fatto nel 2010, ha detto di aver sussurrato il nome di un uomo durante una pausa strumentale nella canzone. Sfortunatamente quell'indizio era difficile da sentire, e fu presto riferito che il nome era "David". Non lo era. Secondo Simon:

Ho detto "Ovid" sia davanti che dietro insieme sul CD, ed è uscito suonando come "David" per alcuni, credo. Ma intendevo che fosse un'allusione alla metamorfosi, e che questo gruppo di canzoni fosse riclassificato in un diverso scarafaggio. Kafka? Caffè? Nuvole? So che è noioso, ma potrebbe essere buono!

Anche Simon ha cambiato la sua storia nel corso degli anni. Nel 1974, affermò che il soggetto della canzone era una raccolta di diversi uomini. Ma nel 2002, ha detto che il soggetto era un uomo e che è apparso in alcune delle sue altre canzoni. Sei anni dopo, ha elaborato: "Quando ho avuto la frase 'Sei così vanitoso, probabilmente pensi che questa canzone parla di te', che era decisamente una persona. Il resto delle descrizioni deriva fondamentalmente dal mio rapporto con quella persona. "

Per anni, i media hanno sostenuto che il soggetto della canzone era Warren Beatty, un uomo che Simon ha brevemente frequentato nei primi anni '70. Beatty stesso era convinto che la canzone riguardasse lui e persino avesse chiamato Simon per ringraziarla per il tributo. Tuttavia, sostiene che mentre Beatty si adatta alle descrizioni della canzone, non è il soggetto.

Una lirica può essere la chiave del mistero: "Poi hai volato con il tuo jet Lear in Nuova Scozia per vedere l'eclissi totale del sole." Secondo la NASA, ci sono state due eclissi totali che potrebbero essere viste dalla Nuova Scozia all'inizio 1970. Uno era nell'estate del 1972, molto tempo dopo che la canzone era stata scritta, ma l'altra era nel marzo 1970. È interessante notare che Simon stava finendo la sua relazione di due anni con un uomo di nome Daniel Armstrong alla fine del 1969 e all'inizio del 1970. La loro cerchia di amici progettò di volare in Nuova Scozia per assistere all'eclissi del marzo 1970 nel suo momento più oscuro.

Armstrong era il proprietario di uno dei migliori negozi di chitarra elettrica a New York City e contava tra la sua clientela la band Cream e Eric Clapton. "Sono stato il primo e unico specialista di chitarra elettrica al mondo, e conoscevo ogni grande chitarrista del mondo - a quel tempo possedevo semplicemente New York", disse una volta in modo spudorato. Ha anche affermato che conosceva più riff blues e poi Clapton. Sembra il soggetto della canzone di Simon?

Secondo gli amici, Armstrong non sosteneva la nascente carriera musicale di Simon e aveva già abbattuto la sua già bassa autostima. Inoltre, anche se Simon ha interrotto la relazione, si è pentita di essersene pentita e ha portato una torcia per lui per anni. Simon ammette liberamente che almeno due delle sue canzoni, "I'm All It Takes to Make You Happy" e "Dan, My Fling", sono state ispirate da Armstrong.

In due interviste separate nel 2004, Simon lasciò cadere il suo suggerimento più rivelatore: l'uomo nella sua canzone aveva le lettere "a", "e" e "r". Tutte e tre le lettere possono essere trovate nel nome "Daniel Armstrong". Forse altrettanto interessante è che il 2004 è l'anno in cui il signor Armstrong è morto.

Forse non sapremo mai con sicurezza chi ha ispirato la famosa canzone di Simon. Nel 1989, ha dichiarato: "Mi sembra sempre strano che le persone debbano essere in quello a cui stavo pensando. Questo è il più grande viaggio dell'ego che chiunque possa avere. E naturalmente, per questo motivo, non posso mai darlo via. "

6 L'eclissi totale del cuore di Bonnie Tyler è stata una canzone d'amore dei vampiri

La canzone di Bonnie Tyler del 1983 "Total Eclipse of the Heart" ha raggiunto il primo posto nelle classifiche sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito. La voce roca di Tyler e le parole ossessionanti, rafforzate dal video musicale dark e gotico della canzone, hanno dato al mondo l'impressione che questa sia una canzone che parla di due amanti, il cantante e "Bright Eyes". La loro relazione è al tempo stesso incerta e straziante. Tuttavia, lo scrittore della canzone voleva che il dolore fosse meno nel cuore e più nel collo.

Lo scrittore della canzone era Jim Steinman, famoso per tre canzoni di Meatloaf nel 1977 Pipistrello fuori dall'inferno album - "Two Out of Three Is Bad," "Paradise by the Dashboard Light" e "I'll Do Any for Love (Ma non lo farò)." Nei primi anni '80, Steinman stava lavorando a un musical basato sul famoso film sui vampiri Nosferatu. Una delle canzoni che ha scritto per la produzione è stata "Vampires in Love".

Quando Meatloaf ha iniziato a mettere insieme canzoni per Mezzanotte ai Lost and Found nel 1983, Steinman ha offerto due canzoni: "Making Love Out of Nothing at All" e "Vampires in Love", che è stata ribattezzata "Total Eclipse of the Heart". Ma la Epic Records voleva che Meatloaf scrivesse le sue canzoni, quindi "Making Love" "È andato a Air Supply e" Total Eclipse "è andato a Bonnie Tyler.

Poi, nel 2002, la produzione di Steinman di Danza dei Vampiri aperto a Broadway, e il pubblico è rimasto sorpreso dal fatto che il secondo atto si è aperto con - avete indovinato - "Total Eclipse of the Heart", questa volta con il suo titolo originale di "Vampires in Love".

Inizialmente Steinman aveva intenzione di scrivere tutte le nuove canzoni per la produzione:

Ho avuto solo un mese e mezzo per scrivere questo intero spettacolo e avevo bisogno di un grande duetto d'amore. [...] Ma con "Total Eclipse of the Heart", stavo cercando di creare una canzone d'amore e mi sono ricordato di averlo scritto per essere una canzone d'amore vampirica. [...] Se qualcuno ascolta i testi, sono davvero come le linee dei vampiri. Riguarda l'oscurità, il potere delle tenebre e il posto dell'amore nell'oscurità.

5 I Red Hot Chili Peppers "Give It Away" riguardavano la generosità

Con testi come "Quello che ho, devi metterlo in te", possiamo essere perdonati per la nostra convinzione che "Give It Away" riguardi il sesso. "Darlo via" è, dopo tutto, un eufemismo per aver perso la verginità. Quando ai Red Hot Chili Peppers è stato chiesto di apparire nel finale della quarta stagione della sitcom dei cartoni animati I Simpson nel 1993, è stato chiesto loro di rendere il loro mostro crossover hit "Give It Away" più adatto alle famiglie cambiando la linea sopra a "What I like, is like like hug and kiss you".

Con uno sguardo attento ad alcuni altri testi, tuttavia, è chiaro che sta succedendo qualcos'altro. Il secondo verso si apre con:

Piccole persone avide in un mare di angoscia
Continua a ricevere di meno
Non impressionati dall'eccesso di materiale.

Nella sua autobiografia Tessuto cicatriziale, il paroliere Anthony Kiedis ha spiegato che la genesi della canzone deriva da un po 'di saggezza che la sua ex fidanzata Nina Hagen gli ha impartito:

Nina era un'anima saggia, e si rese conto di quanto ero giovane e inesperto, quindi passava sempre gemme a me, non in un modo prediletto, solo cogliendo le opportunità. [...] Un giorno stavo attraversando il suo armadio, guardando tutti i suoi vestiti pazzi, quando mi sono imbattuto in una preziosa giacca esotica. "Questo è davvero bello," dissi. "Prendilo. Puoi averlo ", ha detto. "Whoa, non posso sopportarlo. Questa è la giacca più bella che hai lì dentro, "dissi. "Ecco perché te l'ho dato", spiegò. "È sempre importante dare via le cose; crea una buona energia. Se hai un armadio pieno di vestiti e cerchi di tenerli tutti, la tua vita diventerà molto piccola. Ma se hai un armadio completo e qualcuno vede qualcosa che gli piace, se lo dai a loro, il mondo è un posto migliore. "

Il consiglio di Hagen rimase con Kiedis per anni: era una tale rivelazione che qualcuno avrebbe voluto darmi la sua cosa preferita. Mi è rimasto per sempre. Ogni volta che pensavo "Devo mantenere", ricorderei "No, devi invece dare via". Per l'album del 1991 dei Peppers Blood Sugar Sex Magik, Kiedis ha scritto una canzone per impartire quella saggezza.

Chiunque abbia familiarità con i testi della canzone sa che Kiedis è scivolato in un tributo a Bob Marley come un "poeta e un profeta". Ma Kiedis ha rivelato che ha anche inserito un omaggio a un'altra stella che è morta fin troppo giovane, River Phoenix. River era amico del chitarrista dei RHCP John Frusciante e del bassista Flea (alias Michael Peter Balzary). La notte in cui River morì nell'ottobre del 1993, si esibì sul palco con Flea alla Viper Room, una discoteca di Hollywood. È crollato da una overdose di droga proprio fuori dal locale notturno. Aveva 23 anni.

"River era molto durante la scrittura e la registrazione del nostro album", ha detto Kiedis. Il versetto, "C'è un fiume, nato per essere un donatore, ti tiene al caldo, non ti lascerà rabbrividire. Il suo cuore non sta per mai avvizzire, venire uno tutti, il tempo di consegnare ", era un tributo a lui.

4 I Rolling Stones "Jumpin 'Jack Flash" riguardavano il ritorno alle loro più semplici radici R & B

Quando i Rolling Stones si unirono nell'estate del 1962, il loro sound rock and roll era molto più oscuro, più sexy e più radicato nel blues del loro più grande concorrente, i Beatles.Ma verso la metà del decennio, i Beatles si erano scambiati il ​​loro sound rock pop per il sound folk rock di artisti come Bob Dylan, e gli Stones lo seguirono nel 1967 con Tra i pulsanti. Poi, quando i Beatles si sono rivolti alla psichedelia Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band quello stesso anno, gli Stones risposero con La loro richiesta delle Sataniche Maestrie, il loro terzo album in un anno.

Quello stesso anno (ancora nel 1967), Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones furono tutti arrestati per violazioni della droga e furono condannati a pene detentive. Inoltre, Jones stava deteriorando mentalmente e fisicamente dall'abuso di sostanze. Quando la band si riunì nel 1968 per registrare Beggar's Banquet, hanno deciso di tornare alle loro radici blues. Mick Jagger in seguito avrebbe detto che "Jumpin 'Jack Flash" riguardava il precedente anno pieno di stress: "Si trattava di avere un momento difficile e di uscire. Solo una metafora per uscire da tutte le cose acide. "

I fan hanno a lungo pensato che la canzone riguardasse le droghe: tutto, dal "gas esilarante" all'iniettare l'eroina nei condotti lacrimali. Tuttavia, la parola "gas" nella canzone si riferisce non a essere lapidati, ma alla sensazione che i membri della band provano quando suonano il suo riff blues accattivante, che è, come fa notare Richards, lo stesso riff del loro successo rock-blues del 1965 "(I Can not Get No) Satisfaction" ma al contrario. Richards avrebbe più tardi detto:

Quando ottieni un riff come "Flash", provi una grande sensazione di euforia, una gioia malvagia. Riesco a sentire l'intera band suonare dietro di me ogni volta che suono "Flash": questa è una sorta di overdrive turbo in più. Salti sul riff e ti suona. La levitazione è probabilmente la più vicina analogia con ciò che sento. "

Il "Jack" nella canzone è Jack Dyer, il giardiniere di Keith Richards, che una mattina sorprese Jagger e Richards girovagando nel giardino fuori dalla loro finestra. Richards lo ha chiamato "Jumpin 'Jack" e Jagger ha aggiunto "Flash" per dare loro una frase allitterativa per appendere la canzone. Dyer era un semplice contadino che sembrava simboleggiare un tempo più semplice per Richards e Jagger, un tempo in cui volevano tornare. La canzone è la canzone più suonata dagli Stones nei loro concerti, e spesso spruzzano acqua e petali di fiori nel pubblico quando suonano, probabilmente un omaggio a Dyer.

Il "tempo di chiusura" di Semisonic era dedicato al parto

Per più di un decennio, tutti, inclusa la maggior parte dei membri della Semisonic, hanno pensato che il "Closing Time" vincitore del Grammy fosse l'ultima chiamata di un bar. Infatti, dopo la pubblicazione della canzone nel 1998, divenne un pilastro di bar in tutto il mondo come segnale per i suoi clienti che stavano per essere scaricati in strada. In un'intervista del 2010, Dan Wilson, lo scrittore della canzone, disse:

Pensavo davvero che quello fosse il più grande destino per "Closing Time", che sarebbe stato usato da tutti i baristi, e in realtà era. Lo è ancora. Incontro continuamente persone che mi dicono "Oh, ho lavorato in questo bar per quattro anni e ho ascoltato la tua canzone ogni notte".

Quando Wilson si sedette per scrivere la canzone, originariamente doveva essere usata come canzone di chiusura per i loro concerti:

Inizialmente stavo cercando di scrivere una canzone con cui concludere gli spettacoli di Semisonic. Avevamo sempre finito con una canzone intitolata "If I Run", e mi è davvero piaciuto molto. John e Jake, gli altri due membri della band, erano sempre impazienti di finire lo spettacolo con la stessa canzone. Così ho deciso di scrivere un nuovo avvicinarsi per il set, e ho pensato "Oh, orario di chiusura". Poiché tutti i bar che frequenterei a Minneapolis, avrebbero gridato "orario di chiusura". C'era un bar in cui un ragazzo urlava sempre molto forte, "Non devi andare a casa, ma non puoi restare qui", e credo che sia sempre rimasto nella mia mente.

Tuttavia, la canzone si è evoluta nel modo in cui Wilson l'ha scritta: "Partendo dalla scrittura della canzone, mi sono reso conto che si trattava anche di nascere. Mia moglie e io ci aspettavamo il nostro primo figlio molto presto dopo aver scritto quella canzone. Sono nato sul cervello, sono rimasto colpito da quanto un buffo gioco di parole fosse da rimbalzare dal grembo materno. "La moglie di Wilson era incinta di una ragazza, Coco. In un'altra intervista, Wilson ha aggiunto: "Si tratta di nascere e venire al mondo, vedere le luci brillanti, tagliare la corda, aprirsi in qualcosa di più profondo e più universale".

Ma Wilson non voleva dire agli altri membri della band di cosa si trattasse davvero. Sapeva che i cantautori spesso scrivevano canzoni per celebrare la nascita di un bambino, come David Byrne dei Talking Heads ("Stay Up Late", sul Piccole creature album), Stevie Wonder ("Non è adorabile", da Canzoni nella chiave della vita), R. Kelly ("Havin 'a Baby," da Raddoppiare), Jay-Z ("Glory" come singolo), e Lauryn Hill ("To Zion", da La Missione di Lauryn Hill). Wilson ha elaborato:

[I ragazzi della band] sanno istintivamente che non appena i giovani arrivano sulla scena, la prossima cosa che arriverà è una canzone che parla di junior. [...] Lo sapevo. Sapevo che i miei compagni di band ... sentivano quel terrore. Così ho fatto quello che avrebbe fatto qualsiasi buona sgattaiolata, e ho nascosto la mia canzone junior, e l'ho fatto in bella vista, che è dove una buona sveltezza è il posto migliore per nascondere qualcosa. E l'ho nascosto così bene in modo che milioni e milioni di persone hanno ascoltato la canzone e hanno comprato la canzone e non l'hanno capita. Pensano che si tratti di essere rimbalzati da un bar, ma si tratta di essere rimbalzati dal grembo materno.

2 La Macarena di Los Del Rio parlava di una donna che dormiva in giro

https://www.youtube.com/watch?v=XiBYM6g8Tck
Chiunque sia nato prima del 1991 ha quasi certamente familiarità con il canto e la danza della "Macarena". Per un paio d'anni, a metà degli anni '90, quasi tutti i ricevimenti nuziali, il bar mitzvah, l'evento sportivo, il liceo o il ballo scolastico e il picnic in chiesa hanno cancellato quattro minuti e una notevole quantità di spazio in modo che tutti a portata d'orecchio potessero riunirsi per scuotere i loro mozziconi, sbattono le braccia e lentamente saltano in cerchio. Il ballo consisteva principalmente in movimenti di braccio e richiedeva una scarsa coordinazione della parte inferiore del corpo, rendendo possibile a tutti, a tutti i centenari, ea tutti coloro che partecipavano. Potrebbe anche essere eseguita sedendosi, il che ha reso possibile "ballare" anche se una persona fosse ubriaca, calzata in un sedile dello stadio o su una pista da ballo canting cruise ship.

E con tutti concentrati sulle loro mosse di danza, pochi in realtà hanno prestato molta attenzione alle parole. Non ha aiutato che la maggior parte delle parole erano in spagnolo. Né è stato d'aiuto il fatto che esistessero quasi una dozzina di versioni della canzone quando era più popolare, alcune con testi attenuati, altre non così tanto.

L'origine della canzone è iniziata con una coppia di spagnoli di mezza età, Antonio Romeo Monge e Rafael Ruiz, che formarono il gruppo Los Del Rios. Monge e Ruiz erano insieme dal 1962, cantando il loro suono pop flamenco. Nel 1992, Los Del Rios visitò il Sud America e, durante una festa in Venezuela, incontrarono una ballerina di flamenco di nome Diana Patricia Cubillan Herrera. Lei e le sue mosse da ballo hanno ispirato il duo a scrivere la canzone.

La canzone originale parlava di una donna il cui fidanzato, Vitorino, si arruolò nell'esercito. Per rappresaglia, ha dormito con due dei suoi amici. La donna sogna nuovi vestiti, vive a New York City e trova un nuovo fidanzato. Il coro incoraggia la donna a "dare gioia al tuo corpo, Macarena. perché il tuo corpo doveva essere donato alla gioia e alle cose buone ". Sia che si trattasse di vestiti o di gratificazione sessuale che le hanno dato" gioia ", è lasciata all'interpretazione. La donna e la canzone hanno ricevuto per la prima volta il nome "Magdalena", un colloquiale per una donna sexy e assertiva, ma quando un'altra canzone è stata trovata con lo stesso titolo, Los Del Rios ha cambiato il nome in "Macarena".

Il duo ha pubblicato la canzone nel 1993 come rumba. È diventato un successo in Spagna e nel 1994 è stato trasmesso in tutto il Sud America. L'anno successivo, The Bayside Boys lo ha remixato e gli ha dato i testi più speziati. In questa versione, Macarena dichiara "[I ragazzi] tutti mi vogliono, non possono avere me. Quindi vengono tutti a ballare accanto a me. "Ma nel prossimo ritornello, lei esorta i ragazzi," E se sei bravo ti porterò a casa con me. "Macarena ora semplicemente disprezza il suo ragazzo e chiede al suo pubblico" Ora andiamo, cosa dovevo fare? Era fuori città ei suoi due amici erano così bravi. "Questa è la versione con cui la maggior parte dei paesi di lingua inglese ha familiarità.

Nel 1996, Los Del Rios pubblicò un video musicale usando il remix di Bayside Boys e 10 donne che eseguivano la danza "Macarena". È stata lanciata una nuova mania dance. Nessuno è sicuro di dove sia nata la danza, ma è diventata una sensazione culturale. Le persone di tutto il mondo hanno agitato le loro solite cose mentre due sporchi vecchi spingevano Macarena, ancora e ancora, per "ridarle gioia al corpo". Non vedrai mai più quella canzone allo stesso modo, vero?

La "Scala verso il cielo" dei Led Zeppelin era davvero incentrata sul materialismo superficiale

https://www.youtube.com/watch?v=w9TGj2jrJk8
Considerata una delle più grandi canzoni rock della storia, la "Stairway to Heaven" del 1971 ha generato più della sua parte di congettura sul suo significato. Lo scrittore lirico Robert Plant ha descritto le origini dei testi:

Tenevo in mano carta e matita, e per qualche ragione ero di pessimo umore. Poi all'improvviso la mia mano stava scrivendo le parole: "C'è una signora che è sicura che tutto ciò che luccica è d'oro / E sta comprando una scala per il paradiso." Mi sono seduto lì e ho guardato le parole e poi sono quasi saltato fuori il mio posto.

Molti hanno riconosciuto che la linea "tutto ciò che luccica è oro" è l'inverso della linea di Bilbo Baggins in Tolkien La compagnia dell'anello: "Tutto ciò che è oro non brilla". Bilbo osservava che una persona o una cosa non valeva sempre in superficie. La signora nella canzone, tuttavia, è "sicura" che è vero il contrario.

Plant dichiarò di volere una canzone epica per il quarto album dei Led Zeppelin e basarsi su quella prima linea usando le immagini di Celtic e Tolkien per rivelare gradualmente la superficialità della prospettiva della donna: "Inizia con il concetto di cercare di avere qualcosa che si districa a strati mentre la canzone progrediva. "

Plant ha scritto la maggior parte dei testi in una sola seduta e ammette che gran parte della sua ispirazione è venuta dalla lettura Magic Arts of Celtic Britain, scritto dall'occultista Lewis Spence. Insieme al fatto che il membro della band Jimmy Page aveva acquistato la Boleskine House in Scozia, precedentemente di proprietà del satanista Aleister Crowley, le speculazioni si sono trasformate in un significato satanico per la canzone.

Crowley era noto per aver istruito i suoi seguaci a parlare all'indietro, e non passò molto tempo prima che gli ascoltatori suonassero la canzone all'indietro. Abbiamo già discusso il presunto backmasking e il messaggio satanico della canzone. Piantare beffe in questo:

Per quanto riguarda l'inversione dei nastri e il mettere messaggi alla fine, non è la mia idea di fare musica. È molto tristeLa prima volta che l'ho sentito era la mattina presto quando vivevo a casa e l'ho sentito su un programma di notizie. Sono stato completamente svuotato tutto il giorno. Ho camminato, e non potevo davvero credere, non potevo prendere sul serio le persone che potevano venire con schizzi del genere. Ci sono molte persone che stanno facendo soldi lì, e se è così che devono farlo, allora fallo senza i miei testi. Li adoro troppo.

Alla fine, la band, e Plant in particolare, si stancarono della canzone. Nel 1988, disse: "Mi piacerebbe scoppiare in alveari se dovessi cantare" Stairway to Heaven "in ogni spettacolo. Ho scritto i testi e ho trovato la canzone di una certa importanza e conseguenza nel 1971. Ma 17 anni dopo, non lo so. Non è solo per me. "

Col tempo, Plant si stancò anche del picking a parte i suoi testi. "A seconda di che giorno è, interpreto ancora la canzone in un modo diverso - e l'ho scritta", ha detto una volta. Chiamò i suoi testi "pomposi" e disse nel 2012, "lotto con alcuni testi di particolari periodi di tempo. Forse stavo ancora cercando di capire di cosa stavo parlando. [...] Tutti gli altri sono. "