10 temi tristi della morte nell'arte occidentale

L'arte è spesso tematica: gli artisti hanno esplorato idee comuni in diversi mezzi e da diverse prospettive nel corso dei secoli. Nel Medioevo, a partire dal XIV secolo, l'arte prese una piega verso il buio quando la peste conosciuta come la Morte Nera discese sull'Europa come l'apocalisse stessa. Questo periodo era spesso pieno di disperazione e disperazione, e per la prima volta, diversi temi che ruotavano attorno alla morte furono sviluppati o più pesantemente esplorati.

10Piazza d'arte

È impossibile capire l'effetto che la Morte Nera ha avuto sulla società medievale. A picco in Europa da qualche parte tra il 1348 e il 1350 con ulteriori epidemie nel 1361 e nel 1430, la peste era un bacillo che poteva essere contratto dal morso di una pulce o un ratto infetto o attraverso l'aria, a seconda della varietà. La prima ondata della Morte Nera uccise circa il 25-50% della popolazione europea.

La peste si è fatta sentire in tutta la cultura medievale, dove le persone hanno trovato uno sbocco per esprimere la loro disperazione e depressione collettiva. Gli artisti che avevano precedentemente dipinto scene gioiose raffiguranti devozione religiosa o illustrazioni alte delle conquiste del genere umano ora si sono trasformate in scene di morte e devastazione. Anche i temi religiosi si sono oscurati, concentrandosi sui tormenti dell'inferno e sulle paghe del peccato, rivolgendo sempre più le spalle ai benefici del cielo o alle comodità del rituale. Fu in questo macabro ambiente che iniziarono ad emergere diversi temi che ruotavano attorno alla morte nell'arte europea antica, non ultima la stessa piaga.

Giovanni Boccaccio ha usato la Morte Nera come sfondo per il suo classico Decameron, una storia di uomini e donne che fuggono dalla città in una piccola villa per sfuggire alla pestilenza. Le storie deliziose che raccontano mentre si nascondono sono un netto contrappunto alla devastazione che accade fuori. Scene di processioni funebri - già un tema comune nell'arte - furono dipinte mostrando non re o santi famosi come prima, ma vittime di peste anonime mentre venivano condotte alla tomba. Mentre sempre più persone cominciavano a vedere la piaga come una sorta di condanna divina, la chiesa sottolineava l'importanza della salvezza attraverso il rituale religioso e il pentimento come mezzo appropriato per combattere l'epidemia, un atteggiamento riflesso in opere come i fratelli Limbourg " La processione di San Gregorio (1300) e l'illuminazione di Giacomo Le Palmer del XIV secolo per il Omne Bonum, che raffigura le vittime della peste ricevendo le benedizioni di un prete.

Le scene realistiche di pazienti trattati in ospedale ea casa erano diffuse, specialmente durante il Rinascimento. Questi erano spesso accompagnati da accurate raffigurazioni delle ferite e pustole gonfie dei morenti, come nel caso di Jacopo Robusti St. Roch In the Hospital. ("I santi della peste" erano un genere in sé). La scena del "letto della morte", in cui una persona morente è cerimoniosamente circondata da persone care, risale al periodo della Morte Nera nel 1400. C'era anche una tendenza a raffigurare figure scultoree sulle tombe come cadaveri reali, spesso recanti segni di peste o addirittura completamente scheletrici, invece di ritratti idealizzati del defunto. Mentre la morte diventa una triste realtà e il paradiso un'astrazione lontana, il realismo ha fatto un grande ritorno nell'arte europea.

Questi sono solo alcuni esempi di come la Morte Nera abbia avuto un'influenza diretta sull'arte del Medioevo attraverso l'Illuminismo, che ci ispira fino ad oggi. Nel 1988, la diva d'avanguardia Diamanda Galas ha pubblicato il suo primo disco Massa di peste trilogia, Masque of the Red Death, uno sguardo ispirato alla Morte Nera contro l'epidemia di AIDS che è stata sicuramente registrata all'inferno.

Compra questa incredibile stampa della morte di San Gregorio su Amazon.com!

9Death As A Reaper of Souls

Tutte le culture in tutti i tempi e luoghi hanno personificato la morte in una forma o nell'altra. Per noi persone moderne, una delle personificazioni più immediatamente riconoscibili è il Grim Reaper. Al giorno d'oggi, si trova principalmente su copertine di album di metalli pesanti o gioielli goth, ma per il mondo medievale, era un'autentica figura di terrore.

L'idea della morte come una mietitrice che tiene in mano una falce che usa per raccogliere anime è un'invenzione del XV secolo che attinge a molte fonti precedenti. Ispirazioni dalla mitologia greca includevano il Titano di nome Kronos (che i Romani avrebbero potuto confondere con Chronos, il dio del tempo) e il barcaiolo del fiume Stige negli inferi chiamato Charon. Prima che la sua forma moderna fosse completamente sviluppata in Europa, la morte veniva solitamente raffigurata come un cadavere con in mano una freccia, un dardo, un arco o qualche altra arma. Fu durante la pestilenza che l'Europa cominciò a raffigurare la morte come uno scheletro che brandiva una falce e indossava un abito nero (o talvolta bianco). Di solito veniva ritratto come una guida che appariva all'ora stabilita dal soggetto per condurli via, sebbene in racconti successivi, in realtà egli prendesse la vita da solo, e le vittime potessero imbrogliare o contrattare con lui.

La morte come mietitore può essere trovata in ogni forma d'arte in tutta Europa. È apparso in opere teatrali, canzoni, poesie, letteratura romantica e bawds. Scava attraverso i dipinti più scuri di Breugel ed è spesso la figura dell'arte "danse macabro". Nella scultura, una statua del XVII secolo di un vescovo nella cattedrale tedesca di Treviri, accompagnata dal Grim Reaper, è un ottimo esempio. Mentre la Bibbia non rappresentava mai la morte come una mietitrice, molti artisti dal XV secolo in poi usarono il motivo nell'arte biblica. L'incisione di Gustave Dore di La morte su un cavallo pallido (1865) è un esempio particolarmente drammatico.

8 La danza della morte

Una credenza si è sviluppata durante gli anni della piaga che i morti potevano sorgere dai loro cimiteri e trascinare i passanti sfortunati in una danza demoniaca della morte.Queste credenze folcloristiche, alimentate dalla poesia del periodo sull'inevitabilità della morte e un dramma teatrale tradizionale promulgato in Germania, hanno rapidamente trovato la loro strada nell'arte europea come un'allegoria sociale sulla mortalità, che ha guadagnato popolarità diffusa. Il messaggio è chiaro nel Danza macabra-Non sfugge la morte, quindi è più saggio preparare la tua anima per il suo tempo di resa dei conti.

Il Danza macabra dipingeva la gerarchia delle classi, dal papa al bambino comune, impegnata nella routine quotidiana mentre venivano costrette nelle braccia dell'attesa della morte. Uno dei primi esempi pittorici proviene da una serie di dipinti creati nel 1424-1425 e precedentemente esposti nel Cimetiere degli Innocenti a Parigi. Gli originali furono distrutti nel 1669, ma lo stampatore di Parigi Guy Marchant conservò la sua essenza in una serie di xilografie insieme ai versi che li accompagnavano.

Il motivo ha raggiunto la sua massima espressione nelle xilografie e nei versi di Hans Holbein the Younger La danza della morte. Fu pubblicato per la prima volta nel 1538 come un libro con 41 xilografie, mentre le aggiunte successive nel 1545 e nel 1562 portarono questo conteggio a 51. L'intero testo, così come tutte le xilografie, può essere trovato online qui. Un altro fantastico esempio, questo in pittura, è di Bernt Notke Danza macabra. Fu distrutto durante i bombardamenti nella seconda guerra mondiale, un evento considerato una grande perdita per l'arte.

7Dance Of The Skeletons

Un altro tema legato alla danza della morte è la danza degli scheletri, che conosciamo principalmente attraverso una xilografia dell'umanista tedesco e del primo cartografo Michael Wolgemut che è apparso in Liber Chronicum ("The World's Chronic"), un libro scritto da Hartmann Schedel e pubblicato nel 1493. La danza degli scheletri è diversa dalla danza della morte in quanto è strettamente basata sul folklore, senza alcun messaggio sociale o morale. Gli scheletri vengono solitamente raffigurati uscendo da tombe aperte, saltando su e spesso suonando musica e ballando. La xilografia di Wolgemut è un bellissimo esempio del genere, che è stato usato per illustrare e emozionare piuttosto che educare o predicare allo spettatore.

La danza dello scheletro era un tema di breve durata nell'arte antica, con pochi esempi sopravvissuti. In tempi più recenti, è cresciuto nella musica quando Camille Saint-Saens ha basato il suo 1874 Danza macabra sui temi della danza della morte e dello scheletro. Nel film, Walt Disney e Silly Symphonies ripropongono il tema nel 1929 nell'immortale e spesso imitato cortometraggio "The Skeleton Dance", in cui quattro scheletri danzano intorno a un cimitero e terrorizzano i residenti viventi.

6Anamorphosis e simboli nascosti della morte

L'anamorfosi, che significa "l'immagine all'interno dell'immagine", è una tecnica utilizzata talvolta nell'arte per creare immagini nascoste che possono essere viste correttamente solo da determinati angoli o nelle giuste condizioni. Fu visto per la prima volta in Europa nel 1485, quando Leonardo da Vinci lo usò per raffigurare un occhio umano. Diversi artisti hanno incorporato l'anamorfosi in temi di morte, il cui esempio più famoso è Hans Holbein il Giovane Gli ambasciatori (1533).

Il dipinto è un doppio ritratto di Jean de Dinteville, ambasciatore francese alla corte di Enrico VIII, e il suo amico d'infanzia Georges de Selve, il vescovo di Lavaur che ha anche recitato in diverse occasioni come ambasciatore. E 'stato dipinto nei primi anni della Riforma ed è pieno di simbolismo politico e teologico su questi temi, ma l'elemento più sconcertante è una strana forma ovale allungata nella parte inferiore del dipinto, che si risolve in un teschio quando viene visualizzato con l'occhio in una posizione vicino alla mano del vescovo. Uno degli scopi di questo teschio nascosto era di ricordare ai potenti attori coinvolti nei problemi di questo tempo di essere umili e consapevoli della loro mortalità.

Anamorfosi e altre forme di immagini nascoste sono state usate in tutta la storia dell'arte fin dai tempi di Da Vinci. Un esempio successivo è quello di Charles Allan Gilbert Tutto è Vanità (1892), in cui una signora dell'epoca vittoriana si ammira in uno specchio che, con uno spostamento di visione, si trasforma in un teschio. È possibile trovare un esempio contemporaneo di anamorfosi a tema della morte nell'opera dell'artista ungherese Istvan Orosz, che crea illustrazioni con una sensazione medievale di xilografia che nasconde sempre un teschio.

5Death e la fanciulla

Il tema della morte e della fanciulla può essere rintracciato nell'antica Grecia e nella storia di Persefone, che fu rapito dall'Ade e portato negli inferi dopo aver raccolto il fiore del narciso. Uno dei suoi temi è familiare - che la morte supera tutti, anche la bellezza orgogliosa delle donne - ma nel XV secolo, il tema ha cominciato ad acquisire caratteristiche uniche ed è diventato apertamente sessuale. Le donne abbracciate tra le braccia di cadaveri o scheletri erano ora impegnate in un rapporto intimo con la morte.

Tra Niklaus Manuel Deutsch Danze della morte e La morte e la fanciulla (1517), possiamo effettivamente vedere la transizione. Nel primo, la morte balla con una donna elegante, mettendo entrambe le mani ossute saldamente sul suo seno. Nel secondo caso, la Morte non danza più, la sta abbracciando completamente, baciandola con forza mentre le sue mani si dirigono verso i suoi genitali. La fanciulla sta cercando di resistere ma non è in grado di farlo.

Questo immaginario fortemente erotico, usato talvolta dagli artisti per giustificare la pittura di nudi alla chiesa, fu usato più e più volte nel corso del XV secolo e oltre. Un dipinto di una serie dipinta tra il 1518 e il 1520 da Hans Baldburg Grien dipinge una figura nuda simile a una Madonna afferrata da un cadavere essiccato mentre lo sperma ei feti, che erano simboli del rinnovamento della vita, ruotano attorno a loro. Questo simbolismo sarebbe stato usato di nuovo da Edvard Munch nella sua Morte e vita (1894).

Uno dei più potenti esempi moderni è un disegno dell'artista d'avanguardia tedesco Joseph Beuys.Creato nel 1959, raffigura la morte e la fanciulla su una busta con il marchio di un'organizzazione di sopravvissuti all'Olocausto. In questo disegno, sia la morte che la fanciulla sono inconsistenti e prosciugati, a testimoniare la natura sfuggente della vita e l'economicità della morte in quel cataclisma.

Un tema simile alla morte che è nato nell'arte del periodo è chiamato "le tre età dell'uomo", anche se di solito rappresentava le donne. Una figura viene mostrata in successione come un bambino o un neonato, un giovane adulto e, infine, una donna di mezza età, dove la morte sta per condurre il soggetto fuori scena negli inferi. Un buon esempio è Grein's Le tre età dell'uomo e della morte (1510).

4Triumph De La Mort (Il trionfo della morte)

Molto più inquietante della danza della morte, il motivo del "trionfo della morte" era un altro tema comune tra gli artisti medievali. Come il ballo, il messaggio di fondo era che la mortalità è inevitabile, ma a differenza della "danza", il tema del "trionfo" descrive la morte come uno strumento di caos e distruzione, un brutale dittatore i cui scagnozzi investono tutto, distruggendo tutto sul suo cammino. Era particolarmente associato ai periodi di guerra e di peste. Questo tema risale almeno al 1400, poiché era già un'idea diffusa quando un artista sconosciuto dipingeva un affresco nella corte di Palazzo Sclafaniin, a Palermo, nel sud Italia. Il trionfo della morte (1445) presenta uno scheletro con l'arco che cavalca un cavallo scheletrico e scaglia frecce contro i suoi bersagli, abitanti del villaggio medievali di ogni ceto sociale che seguono le loro abitudini quotidiane.

Il capolavoro indiscusso di questo tema è Il trionfo della morte (1562) di Pieter Bruegel the Older. Nel dipinto, un villaggio medievale, un tempo pacifico, si riduce a un deserto apocalittico di un esercito di mietitori e cadaveri. È come se Bruegel cancellasse tutti i suoi dipinti di scene medievali in una sola tela. Letteralmente centinaia di raffigurazioni e simboli della vita quotidiana attraversano il dipinto, ognuno un po 'di moralità la cui tesi è la morte. Persino un re non ha tregua. Un cadavere mostra la sua clessidra, il tempo a corto di tempo, e il re soccombe mentre un altro cadavere corazzato si aiuta a raccogliere le sue ricchezze. Tutto è perduto. Tutto è inutile. Alla fine la morte trionfa sempre.

Il trionfo della morte è ampiamente considerato uno dei dipinti più importanti del suo tempo. UN giornale di Wall Street articolo ha osservato che "La brutalità di queste immagini ha dato un'immagine di Bruegel una triste e continua rilevanza. Sembra anticipare le descrizioni della Guerra dei Trent'anni nel 17 ° secolo ... La maggior parte dei disturbi di una prospettiva del XXI secolo sono quelli che appaiono sulla destra dell'immagine come contenitori rettangolari in cui gli umani sono forzati all'interno e inviati alla loro morte. La somiglianza dei dispositivi alla tecnologia nazista di sterminio di massa ha colpito molti spettatori. "Finché ci saranno guerre, carestie, pestilenze e morte in sé, il capolavoro di Bruegel continuerà ad essere un dipinto che ci disturba anche se risuona.

3The Grateful Dead

Il motivo dei "morti riconoscenti" è raro nell'arte pittorica, più comunemente associato al folklore e alla letteratura. Le leggende sui morti riconoscenti ruotano attorno a due temi fondamentali. Nel primo, qualcuno svolge un servizio o un favore a qualcuno che è morto, come prendersi cura dei debiti non pagati o pagare per un servizio funebre, ed è ricompensato in qualche modo dal suo spirito. Nel secondo, qualcuno che ha un disperato bisogno di aiuti entra in un cimitero e prega per ricevere aiuto. I morti poi si alzano dalle loro tombe per aiutare i vivi.

Il primo risale ai tempi dell'Antico Testamento con l'apocrifo Book of Tobit. Fu più tardi raccolto in letteratura, in particolare nei romanzi medievali. Quest'ultimo può essere visto in un affresco chiamato The Legend of the Grateful Deaddipinto in Svizzera da un artista sconosciuto nei primi anni del XVI secolo e restaurato nel 1740. Raffigura un uomo inseguito da una banda di ladri in un cimitero non consacrato, dove si inginocchia per pregare. Prima che i ladri assassini possano raggiungerlo, le tombe intorno a lui esplodono con i cadaveri dei morti che si affrettano a difendere l'uomo con bastoni e falci, grati per le preghiere che permetteranno loro di riposare in pace.

Il messaggio delle storie di morti riconoscenti è molto diverso dalla maggior parte dei temi legati alla morte dell'arte europea, forse perché i ricordi della peste si stavano ritirando e più persone si stavano permettendo di essere positivi riguardo al futuro. Hanno ricordato ai vivi di pensare ai loro cari e di tenerli nelle loro preghiere e di ricordare quelli che erano spariti.

La morte è anche un motivo comune nella cultura pop. Compra questo incredibile Poster della Morte di Superman su Amazon.com!

2 Teschi nell'arte

Forse nessun'altra icona ha avuto un impatto così universale sul simbolismo e sull'arte rispetto al cranio umano. Le sue caratteristiche simmetriche sono visivamente attraenti per l'occhio anche se la sua ovvia associazione con la morte affascina e respinge allo stesso tempo. Praticamente ogni cultura ne ha fatto uso, più spesso come simbolo di mortalità, ma a volte come affermazione della vita, come l'uso da parte del Messico di teschi e scheletri durante Dia de los Muertos ("Day of the Dead") festival.

Il cranio è spesso incorporato nelle nature morte insieme ad altri oggetti correlati. A volte, veniva usato da qualche parte in un dipinto come un'indicazione di morte o dipinto sul dorso di ritratti per servire allo stesso scopo. Un teschio potrebbe anche essere usato come sostituto del soggetto reale in un ritratto se quella persona fosse morta. Nel Trittico Famiglia Braque (1452) del pittore olandese Rogier van der Weyden, un teschio è raffigurato non solo come a Memento mori ma anche una rappresentazione del patrono, le cui realizzazioni sono simboleggiate dallo stemma in mattoni e famiglia.Il cranio era una caratteristica comune della gioielleria anche nel Medioevo, poiché uomini e donne della classe superiore indossavano medaglioni incisi con facce da un lato e teschi sull'altro come ricordo della morte e l'obbligo di condurre una vita morale.

A causa del loro fascino estetico, i teschi venivano spesso usati anche per scopi non simbolici e puramente decorativi. Cézanne I tre teschi (1900), uno dei numerosi dipinti che ha fatto del soggetto, combina elementi di impressionismo ed espressionismo, creando complesse interazioni di luce e forma che hanno un significato tecnico ed emotivo ma senza l'enfasi sul significato simbolico che caratterizzava le precedenti rappresentazioni occidentali di teschi. Verso il XVIII e l'inizio del XIX secolo, il teschio era diventato un simbolo dei pirati e poi dei rastrelli, dei neerati e dei fuorilegge. Questo uso continua oggi, come si può vedere nella moda e nella gioielleria di motociclisti, punk rocker e altre sottoculture anti-autoritarie.

1 Anatomia come art

Nel 1697, l'anatomista olandese Frederik Ruysch impressionò così tanto Pietro il Grande che lo zar russo acquistò l'intera collezione della sua opera dal museo anatomico di Ruysch. Esposizioni anatomiche di cadaveri e scheletri umani e animali conservati non erano nuovi, e nemmeno il tipo di didascalie ammonitrici spesso disposte su placche per descrivere le scene, ma ciò che rendeva uniche le opere di Ruysch era che faceva del suo meglio per ritrarre bellezza di anatomia e morte.

Con il Rinascimento in pieno svolgimento e il ricordo della peste che si ritirava, la fioritura della scienza moderna portò con sé nuovi atteggiamenti verso la morte e il morire. La morte poteva essere vista di nuovo come un ciclo, una controparte della vita che era altrettanto importante e toccante. Ruysch ha cercato di catturare quegli ideali nel suo lavoro, che ha combinato tecniche di imbalsamazione con concetti scultorei e pittorici per creare opere che includevano bambini mummificati e preservati feti e scheletri con nature morte e abbellimenti artistici creati con altri dettagli anatomici, inclusi alberi e cespugli formati da arterie umane e rocce formate da calcoli renali.

Ruysch continuò il suo lavoro fino al XVII secolo. Purtroppo, nessuno dei suoi diorami sopravvive oggi, sebbene esistano ancora alcuni bambini decorati conservati in barattoli. Li conosciamo grazie all'opera degli incisori, principalmente Cornelius Huyberts, che li ha pubblicati nel Thesaurus Anatomicus.