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I 10 migliori cineasti
La cinematografia è, per molti aspetti, un lavoro ingrato. Tutti sanno qual è il loro scopo di base, quanto è importante per il film e come le immagini visive sono spesso le più memorabili, eppure molti potrebbero faticare per nominare persino un direttore della fotografia. Nella storia del film, il ruolo del cineasta è spesso trascurato, eppure sono stati importanti e influenti come registi, scrittori e attori. Per commemorarli, ecco una lista dei dieci più grandi e più influenti cineasti. Ti potrebbero piacere anche i nostri 10 capolavori cinematografici.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
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Miyagawa è probabilmente il più importante direttore della fotografia della storia giapponese, avendo lavorato con un who's who degli autori giapponesi, tra cui Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu e Kenji Mizoguchi. È forse il più famoso per il suo lavoro su Rashomon, dove è stato il primo a puntare una telecamera direttamente alla luce del sole (utilizzando anni di studio sull'esposizione alla luce). Era anche noto per l'utilizzo di più impostazioni della fotocamera per le scene, e acclamato per il suo contrasto tra ampi scatti e primi piani ravvicinati. Altre innovazioni del film includono l'uso di specchi per riflettere la luce naturale e l'utilizzo di acqua nera tinta come la pioggia, per farlo apparire più vivido sulla fotocamera. Era anche un maestro di generi, lavorando su commedie (The Rickshaw Man), film samurai (i film di Zatoichi), oltre a supervisionare 164 cameramen e utilizzando oltre 234 obiettivi diversi per l'Olimpiade di Tokyo, spesso paragonato a Leni Riefenstahl's Olympia come uno dei i più grandi documentari olimpici.
Alcuni degli straordinari lavori di Miyagawa su Rashomon possono essere visti nella clip.
Film notevoli: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho the Bailiff (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch? V = GFrHPcKiXaQ & hl = it & fs = 1 &]
Per quanto prolifico come altri in questa lista, Urusevsky ha guadagnato uno status quasi mitico tra i cineasti grazie al suo lavoro con il regista russo Mikhail Kalatozov in film come I am Cuba e The Cranes are Flying. La sua combinazione quasi incredibile di messa a fuoco profonda, colpi acrobatici di inseguimento, prospettiva soggettiva e altri sorprendenti trucchi cinematografici era così in anticipo sui tempi che non sarebbe stata vista in Occidente fino a oltre un decennio dopo. Sfortunatamente, le sue collaborazioni di Kaltozov furono in gran parte seppellite dalla macchina di propaganda sovietica, e solo recentemente sono state restaurate grazie ad ammiratori riconosciuti come Martin Scorsese e Francis Ford Coppola. La sua spettacolare macchina da presa, che spesso distraeva dalla giusta messa a fuoco della scena, è stata difesa da Urusevsky, sottolineando che "Non mi ha mai interessato, come cameraman, solo registrare ciò che sta accadendo davanti alla telecamera".
Quella clip, molto celebrata, è forse la scena più famosa del repertorio di Urusevsky, una carrellata sferica dall'apertura di I am Cuba mette in mostra le sue scoppiettanti e originali riprese.
Film notevoli: The Forty-First (1956), The Cranes are Flying (1957), The Unsent Letter (1959), I am Cuba (1964)
Vittorio Storaro Nato nel 1940
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Vittorio Storaro (nato il 24 giugno 1940 a Roma) è un tre volte vincitore di un Oscar come miglior regista italiano. È famoso per il suo lavoro su Apocalypse Now (il suo primo Oscar), dove è stato regalato liberamente da Francis Ford Coppola per fotografare l'acclamato look visivo del film. Ha continuato a vincere Oscar per Reds e The Last Emperor, diretto da Bernardo Bertolucci, il suo più frequente collaboratore. Storaro è ampiamente considerato un maestro della fotografia con una filosofia sofisticata ampiamente ispirata alla teoria dei colori di Johann Wolfgang von Goethe, che si concentra in parte sugli effetti psicologici che i diversi colori hanno e sul modo in cui i colori influenzano la nostra percezione delle diverse situazioni. Con suo figlio, Fabrizio Storaro, ha creato il sistema di format Univisium per unificare tutti i futuri film per la televisione e il cinema in un rispettivo aspect ratio di 2,00: 1.
La clip è una scena di The Sheltering Sky, che mostra senza dubbio la più bella cinematografia del deserto mai messa in scena. Per una visione di qualità molto migliore (e una versione più lunga) di questa scena, vai qui. Non rimarrai assolutamente deluso.
Film notevoli: The Conformist (1970), Last Tango in Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[Youtube = http: //www.youtube.com/watch? V = c1Xrg9uw_8g & hl = it & fs = 1 &]
Come direttore della fotografia scelto da Ingmar Bergman, Nykvist ha ricevuto il non invidiabile compito di trasformare le immagini sorprendenti, spesso surreali dell'autrice svedese, in realtà davanti alla telecamera. Nonostante ciò, Nykvist è stato notato per la sua sottigliezza e semplicità, favorendo l'illuminazione naturalistica a complemento dello stile lento e incalzante dello storytelling di Bergman. Era senza pretese e spesso nascosto dietro il suo imponente regista, ma Nykvist era ancora riconosciuto per il suo lavoro con due Academy Awards per Cries and Whispers e Fanny e Alexander. Nykvist ha anche lavorato con registi come Roman Polanski, Woody Allen e Andrei Tarkovsky. È stato il primo cineasta europeo ad aderire all'American Society of Cinematographers e ha ricevuto un Lifetime Achievement Award dall'ASC nel 1996.
Sopra è una bellissima scena di Persona. Notare il notevole sbiadimento della luce.
Film notevoli: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny and Alexander (1982), The Sacrifice (1986), The Unbearable Lightness of Being (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
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Gregg Toland non era con noi da molto tempo, ma è un onore alla sua brillantezza che oggi sia così venerato. Toland è stato nominato cinque volte come miglior Oscar della cinematografia durante un periodo d'oro di sette anni durato dal 1936 al 1942, ma è la sua collaborazione con Orson Welles su Citizen Kane che è più ricordato. Anche se non ha creato la cinematografia di messa a fuoco profonda, l'ha perfezionata in Citizen Kane, consentendo ai personaggi in primo piano e sullo sfondo di essere messi a fuoco contemporaneamente. In effetti, gran parte del genio visivo e cinematografico del film - angoli bassi, alto contrasto, ombre scure - sebbene spesso accreditate a Welles, era in gran parte il lavoro di Toland. Welles in seguito riconobbe che Toland lo stava consigliando sul posizionamento delle telecamere e gli effetti di illuminazione in segreto, così il giovane regista non si sarebbe messo in imbarazzo di fronte all'equipaggio di grande esperienza. Così indebitato è stato per il lavoro di Toland, che Welles ha insistito sul fatto che i loro nomi appaiono insieme nei titoli di coda. Più tardi, Toland ha lavorato a Disney's Song of the South, che ha combinato l'azione dal vivo con l'animazione.
Sopra è un esempio di attenzione profonda in Citizen Kane.
Film notevoli: Wuthering Heights (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), How Green Was My Valley (1941), Song of the South (1946)
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Soprannominato "Il principe delle tenebre" per il suo debole per l'uso di neri ricchi e interni scuri, il più famoso dei film Il Padrino per il quale è meglio conosciuto, Gordon Willis è famoso per la sua cinematografia innovativa che gli è valsa due nomination all'Oscar e un sacco di rispetto . Il suo lavoro su The Godfather è leggendario, e le sue innovazioni includono l'uso di bagliori caldi, sfocati, ambra per rappresentare le scene nostalgiche del passato in Il Padrino Parte II e la ricreazione unica della fotografia degli anni Venti per Zelig di Woody Allen.
Sopra c'è una clip che mostra Gordon Willis (e altri) che parlano della cinematografia di The Godfather.
Film notevoli: The Godfather (1972), The Godfather Part II (1974), All the President's Men (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), The Godfather Part III (1990)
4Christopher Doyle Nato nel 1952
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Sebbene nato in Australia, Doyle ha lasciato il segno fotografando film asiatici, in particolare il lavoro del regista di Hong Kong Wong Kar-Wai. Il suo lavoro con il regista, in particolare i film Chungking Express, In the Mood for Love e 2046, è lodato per i loro vivaci spruzzi di colori e alta saturazione, ed è considerato uno dei più importanti architetti del cinema asiatico New Wave. È anche uno dei pochi cineasti "superstar", la cui reputazione è spesso superiore a quella dei registi con cui lavora.
Sopra è una clip del film Hero, in cui l'attenzione di Doyle ai colori vivaci è stata fondamentale per la storia.
Film notevoli: Chungking Express (1994), In the Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
3 Conrad L. Hall 1926-2003[Youtube = http: //www.youtube.com/watch? V = DWTNBRs7Ccs & hl = it & fs = 1 &]
Iniziando con film come Cool Hand Luke e Butch Cassidy e Sundance Kid, Hall ha contribuito a liberare l'approccio alle riprese facendo, come dice Sight and Sound, "fare virtù degli errori". Macchie come il sole che colpisce l'obiettivo, la sporcizia che penetra nell'obiettivo o altre apparenti distrazioni che avrebbero richiesto riprese in passato, ma l'approccio di Hall ha esemplificato la nuova ondata del cinema americano e ha contribuito a definire un modello per film indipendenti e grintosi. Ma Hall ha anche dimostrato di essere in grado di gestire immagini più "incontaminate", fotografando film come American Beauty più avanti nella sua carriera. Ha vinto il suo primo Oscar nel 1969 per Butch Cassidy e Sundance Kid, e quindi avrebbe dovuto aspettare 30 anni per il suo prossimo, per American Beauty. Il suo terzo Oscar gli è stato assegnato postumo per Road to Perdition. Oltre a ciò, è stato nominato altre sette volte durante la sua vita.
Above è una scena divertente da Butch Cassidy e Sundance Kid, per il quale Hall ha vinto un Oscar.
Film notevoli: Cool Hand Luke (1967), In Cold Blood (1967), Butch Cassidy e Sundance Kid (1969), Il giorno della locusta (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
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James Wong Howe ha al suo attivo oltre 130 film, che spaziano dall'era del muto al colore. Negli anni '30 e '40 era considerato uno dei cineasti più ricercati di Hollywood. È stato candidato a dieci premi Oscar per la cinematografia, vincendo due volte. Oltre ad essere stato uno dei primi cineasti a utilizzare la fotografia di messa a fuoco profonda, Howe è stato pioniere delle tecniche per aumentare gli occhi sul film in bianco e nero, le tecniche di early dolly, le tecniche fotografiche portatili e le riprese di fonti di luce insolite, come a lume di candela su The Molly Maguires.
La clip è una bella fotografia in bianco e nero di Hud, per la quale Howe ha vinto un Oscar.
Film notevoli: The Thin Man (1934), Algiers (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), The Rose Tattoo (1955), Sweet Smell of Success (1957), The Old Man and the Sea (1958), Hud (1963), Divertente Lady (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch? V = CvUvr715rjg & hl = it & fs = 1 &]
Charles Rosher è stato un due volte direttore della fotografia vincitore dell'Oscar che ha lavorato sin dai primi anni del cinema muto negli anni '50. Nato a Londra, è stato il primo direttore della fotografia a ricevere un Academy Award, insieme al co-vincitore del 1929, Karl Struss. Rosher ha studiato fotografia in gioventù, ma si è guadagnato presto la reputazione di cameraman come cinegiornale, prima di trasferirsi negli Stati Uniti nel 1909. Successivamente ha trovato lavoro per David Horsley lavorando nella sua società di produzione nel New Jersey. Poiché il primo film era in gran parte limitato all'uso della luce del giorno, nel 1911 Horsley trasferì la sua società di produzione a Hollywood, portando con sé Rosher e aprendo il primo studio cinematografico lì. Questo fece di Rosher il primo cameraman a tempo pieno a Hollywood. Nel 1913 andò in Messico per filmare cinegiornali della ribellione di Pancho Villa. Nel 1918 fu uno dei fondatori dell'American Society of Cinematographers e fu il primo vicepresidente del gruppo. Negli anni '20 era uno dei cineasti più ricercati di Hollywood e uno dei preferiti di star come Mary Pickford. Il suo lavoro con Karl Struss sul film del 1927 di F.W. Murnau, Sunrise, è considerato una pietra miliare nella cinematografia. Inoltre, Rosher ha ricevuto anche due medaglie Eastman (denominate per George Eastman), la medaglia d'oro della rivista Photoplay e l'unica borsa di studio mai assegnata dalla Society of Motion Picture Engineers.
Sopra è un esempio del lavoro rivoluzionario di Rosher su Sunrise.
Film notevoli: Sunrise (1927), Gli affari di Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
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